A. 幼儿各领域教育要求汇报小班艺术领域目标及要求小班 中班 大班
将艺术领域教育的总目标制定如下：
1．初步学习感知周围环境和艺术作品中的形式美和内容美，具有对美的敏感性。
2．积极投入艺术活动并学习自由表达自己的感受，发展审美情感的体验和表达能力，促进人格的完善。
3．初步学习多种工具和材料的操作以及运用造型、色彩、构图、节奏、旋律等艺术语言表现自我和事物的运动变化，发展审美表现和创造能力。
根据上述艺术教育的目标，我们分别制定了大班音乐教育目标与美术教育目标。
(一)大班音乐教育目标
1．根据不同的合作歌唱的要求，控制、调节自己的歌声；学习领唱、齐唱以及简单的两声部轮唱、合唱；学习使用不同咬字、吐字及气息断连方法表现歌曲的不同意境；在集体歌Ⅱ昌活动中建立默契感，体验配合默契的快乐。
2．能比较准确地按照音乐的节奏，做各种稍复杂的基本动作、模仿动作和舞蹈动作组合；进一步学习如何更有效地丰富自己的动作表达语汇；能使用已经掌握的空间知识，进行创造性的独立动作表现和人际动作交流与配合；能为不同的舞蹈表演选择不同的道具和服装。
3．学习使用更多种类的打击乐器的基本演奏方法；为求得新颖的音色而探索熟悉乐器的不同演奏方法；学习制造简单的打击乐器，并按照音乐的性质提出配乐的建议；学习即兴指挥，并按照他人即兴指挥的手势迅速、准确、积极热情地作出演奏反应。
B. 说说在艺术领域中教师如何激发幼儿想象力和创造力
当代幼儿是未来社会的主人，是21世纪的栋梁，是未来世界的创造者。他们要适应未来科技、知识高速发展的社会，最重要的就是必须具有较强的创造力，能够最大限度地发挥自身的创造潜能。近年来科学研究表明，每一个发育健全的人都有不同程度的创造潜力。所谓创造力，是指主体在创造性的活动中表现出来、发展起来的各种能力的总和，这种能力受知识、经验、能力、条件所限制。在日常生活中，幼儿因年龄所限，知识、阅历、经验较少，表现出来的创造力是初级层次的，与他们自身能力相吻合，对他们自己而言是前所未有的，但不一定具有较高的社会价值。甚至有时候这种创造性表现常常与错误、缺陷、顽皮、任性等相联系。即常以逾越常规、不守规则、钻牛角尖、提怪问题等形式表现出来。这使得一部分幼教工作者受传统教育思想影响，将幼儿的这种探索行为看作淘气、捣乱、有意破坏而在言语上、行动上不自觉地压抑甚至扼杀幼儿创造性的萌芽。绘画教学是培养幼儿想象力、创造力的必修课，但相当一部分教师和家长在教学中只重视幼儿怎样依样画葫芦，循规蹈矩、一板一眼地按照老师的示范摹仿，偏重以技法为主，不了解绘画教学对幼儿想象力、创造力和认识事物能力的培养作用。实践证明如果一味偏重技法摹仿将会挫伤幼儿学习的积极性和限制创造性能力的培养和发展。我国着名的教育家陶行知先生早在本世纪三四十年代就提出“儿童是新时代的创造者，要解放儿童的创造力”，那么如何在绘画教学中培养幼儿的创造力呢?
一、教师应注意对自身创造性素质的培养
绘画教学中促进幼儿创造力发展的因素很多，有的来自于教师本身创造性素质，也有来自家长和幼儿方面的。其中起决定性作用的还是创造性教育的实施者——教师。应当首先增强对教师自身创造性素质的培养。德国着名心理学家戈特弗里德?海纳指出：“倘若把创造力作为教育的目标，那么实现的前提就是创造型的教师。”幼儿大都喜欢摹仿教师，他们常有意无意地采取与教师相似的行动，从而学到教师的某些行为和思维方式。创造型的教师在教法，倾向于采取“建设性的行为”来发展幼儿的创造力。这些富于创造性的言传身教，就成为幼儿进行创造性活动的良好刺激和榜样。因此，有必要加强教师创造性素质的培养，最大限度地给予幼儿表现创造力的机会。同时，教师要树立现代的教育观，侧重幼儿的思维能力、表现能力和创造能力的培养，只有具备这种观念的教师才会自觉地改革传统教育中束缚幼儿创造力发展的做法，不至于把前面所说的幼儿的各种创造性探索行为看作淘气、捣乱、有意破坏而加以限制。如在一次绘画课上，让幼儿画小朋友坐滑梯的场景。我在示范画上添加了太阳公公、小草、小花等。有一名小朋友没有按照我的画法做，却将太阳公公的胡须画得很长很长，成了一座小滑梯，小朋友们顺着太阳公公的长胡须滑上滑下，一个个动态可掬的幼儿栩栩如生。我问这个小朋友为什么要这样画，小朋友说：“这多有趣呀!”当即我在全班幼儿面前表扬和鼓励了这名幼儿。此后，这个小朋友画画的劲头更大了，总是能想出好多新颖、独特又极富童趣的作品。
二、增强幼儿的自信心是培养和发展幼儿创造力的基础
对儿童自信心的培养极为重要，他们能否大胆地表现自己的想法，大胆地描绘世界，与他们自信心的强弱有着密切的关系。自信心强的幼儿，他们的画面表现力较强，想象奇异丰富，线条生动流畅，构图饱满，色彩鲜明。自信心较弱的幼儿多在绘画中表现出胆小、谨慎，画面空洞，线条呆板生硬，缺乏生动性。对这些自信心较弱的幼儿，老师和家长切不能因此而批评嘲讽，否则幼儿会变得越发胆小，更加不敢动笔，久而久之会逐渐丧失学画的兴趣。在幼儿遇到困难和出现错误时，老师和家长应帮助他们找出问题的所在，鼓励他们多注意观察描绘对象的典型特征，争取能有所提高。当幼儿有所进步时，应及时加以表扬，或者向其它幼儿展示以提高其自信心。家长也可以在幼儿的房间布置小画廊，把幼儿的好作品装上镜框，摆在显眼位置，让家人欣赏。还要经常把幼儿初学的作品拿出来和近作加以比较，让幼儿自己去评判是否有所进步。逐步树立幼儿的自信心和画画的兴趣。
三、对幼儿好奇心、想象力的支持和保护对创造力的培养有较大作用
在教育实践中，我们发现，许多教师和家长对幼儿绘画的指导方法不很妥当。总是一味要求幼儿按照教师的范例进行摹仿，不允许有丝毫的变动。比如，一次画菊花，我的范画用了橘红色和黄色，有的幼儿想换几种颜色，旁观的家长马上制止：“你看清楚老师用的什么颜色，别弄错了。”也有的家长大声斥责孩子：“又弄错了，今天不画好就别回家。”根本不注意保护幼儿的自尊心，限制他们的想象力和创造力的发展。许多老师和家长很注重绘画技法的训练和知识的灌输，一味求全责备：“你看你画的就不圆，小马的眼睛怎么会那么大呢?”有一次，我班绘画能力较强的小朋友模仿老师画了一个小朋友后又在旁边加了一团黑色。她爸爸马上皱起了眉头：“这是什么乱七八糟的东西?”“这是小朋友的
C. 成长手册成长记录怎么写艺术领域发展目标
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D. 艺术的发展方向有哪些
一、黑格尔与“艺术终结论”
1817年，黑格尔在海德堡的美学讲演中提出了“艺术终结论”，在他之前已经出现了有关艺术终结问题的片段式的言论，但他却是第一个从哲学理论高度谈论这个问题的人。理解黑格尔的“艺术终结论”应该从他的哲学意识出发，因为这一论断正是从他的理论体系中演绎出来的。同时，也必须看到黑格尔对他所处的时代的不满，市民社会对艺术的侵害威胁着艺术的生存，这也正说明黑格尔的“艺术终结论”并不认为艺术会消失，而是旨在言明艺术转化为哲学是一种必然。
黑格尔提出“艺术终结论”的时代，现实中的艺术实践欣欣向荣地发展着，可见他所谓的“艺术终结”并不是艺术现实的终结，而是表明艺术应该向观念转化，形成一种新的艺术哲学。在黑格尔看来“就它的最高的职能来说，艺术对于我们现代人已是过去了的事。因此，它也丧失了真正的真实和生命，已不复能维持它从前在现实中的必需和崇高地位。”也许以往人们可以通过艺术直接认识世界，但如今的艺术已经不能带领人们认识世界的真理，因此艺术也就不再具有崇高的地位，这显然是要把绝对精神从现实世界中剥离出来。
在黑格尔的理念学说中，他将绝对精神的发展分为三个阶段：艺术、宗教和哲学。这三者都是人类认识绝对精神的方式和手段，但只有哲学是认识绝对精神的最高手段、是艺术发展的最高形式，艺术的终结实质上是艺术让位于哲学。黑格尔将世界艺术发展的类型分为三种，分别为象征型艺术、古典型艺术和浪漫型艺术。美是理念的感性显现，在黑格尔心目中，真正的艺术理应达到内容与形式的高度统一。因而在黑格尔那里，只有古典型艺术达到了内容与形式、感性态势和绝对精神的完美和谐。象征型艺术是物质超越精神，而浪漫型艺术的精神内容超出了物质形式，进一步的发展必然导致主体的精神和客体的形式之间的分裂，而这种分裂也会导致艺术本身的解体。艺术必须寻找更高的形式以求得生存，因此艺术让位于哲学获得了逻辑上的合理性。
回到社会现实，黑格尔认为他所处时代的艺术不能满足时代精神，而时代精神又抑制了艺术的发展。“每种艺术作品都属于它的时代和它的民族，各有特殊环境，依存于特殊的历史的和其他的观念和目的。”时代发生了变化，反映时代精神的艺术也会随之发生变化，一个时代的终结必然会导致一时代艺术形态的终结。黑格尔眼中最完美的古典型艺术以古希腊雕塑为代表，雕塑以人的形貌表现了神的静穆与崇高，既是一种理想精神的呈现，又揭示了人的主体意识的觉醒。这与当时探索世界，发现自我的时代精神协调一致。黑格尔所处的市民社会在工业浪潮影响之下偏重理性，而当时以绘画、音乐和诗歌为代表的浪漫型艺术则推崇主体性原则，专注于绝对的内心生活和情感冲动，以抒情性为基本特征。时代与艺术之间的错位，也成为黑格尔“艺术终结论”的有力例证，因此他明确地指出，“艺术确已实在不能再达到过去时代和过去民族在艺术中寻找的而且只有在艺术中才能寻找到的那种精神需要的满足……我们现时代的一般情况是不利于艺术的。”
艺术、宗教和哲学都属于意识形态的范畴，但却具有各自的社会功能。黑格尔在其哲学体系内，剥夺了艺术的独立性与自律性。虽然进行终极追问，启迪人智是艺术不可推卸的责任，但丧失了审美性的艺术也就失去了存在的意义。审美性决定了艺术在内容和形式上都具有独特的性质和特征，也表明艺术不可能脱离感性认识与感性形式，成为绝对的观念。而且结合现实来看，艺术也没有因为对物质材料依赖的减弱而消失，相反某些现代艺术却在内容与形式的关系上回归为象征关系，似乎是对以往艺术形式的“重现”，这正表明“艺术终结论”不会兑现。
二、丹托的“艺术终结论”
阿瑟・丹托提出的“艺术史的终结”可以看做是对艺术自律性危机的一次预演。丹托在艺术史进入现代视野之后，在黑格尔“艺术终结论”的基础上，对“艺术终结论”进行了一次重新思考。黑格尔就整体历史谈论艺术会终结，而丹托单就艺术的历史来谈论。在丹托这里，艺术的发展历史就是艺术不断认识自我、探索本质的历史，而艺术的自律性却使艺术从内部消解了自身，失去了发展方向。
黑格尔认为艺术在表现绝对精神方面具有局限性，而随着艺术形态由象征型、古典型发展到浪漫型之后，精神内容极大地超越物质材料，艺术进行自我解体，在否定自身中转化为哲学。但哲学仍然在历史范畴之内，所以艺术的历史没有终结，艺术成为了一种异化的哲学。丹托在现代视野下，结合丰富多彩的现代艺术实践，认为艺术在20世纪实现了它的最终目标，艺术和历史开始向不同的方向发展下去，艺术的历史走到了终点。“或许历史会以我称之为后历史的样式继续存在下去，但它的存在不再具有任何历史意义。……艺术是否会重新踏上历史之路，或者这种破坏的状态就是它的未来：一种文化之熵。由于艺术的概念从内部耗尽了，即将出现的任何现象都不会有意义。”由此可见，黑格尔和丹托虽做出了相似的论断，但二者的立场却不同。黑格尔立足于艺术表现绝对精神的局限性，而丹托立足于艺术的自律性；黑格尔着眼于历史整体，而丹托在艺术史内部谈艺术。因此，在黑格尔那里，艺术终结于哲学，是作为哲学在历史中发展下去；丹托则将艺术史从历史的各种现实语境中隔离出来，认为艺术的概念与创造力从内部被掏空耗尽，艺术实践没有了动力与新的可能，艺术不会随着历史往同一方向发展，而是不得不重复过去历史上已经出现过的各种形式，艺术的历史走向了终结。
艺术从内部被耗尽源于艺术的自律性。在康德的审美自律理论之下，艺术开始建立具有自身特色的一套原则和标准，这对于界定艺术和规范艺术具有一定的积极作用。但是随着审美自律性对艺术控制的加深，艺术家开始“为艺术而艺术”，脱离社会现实和时代语境，玩弄艺术的概念，只在艺术的形式上精雕细刻，使艺术在狭小的范围内固步自封。这表明艺术的自律性与艺术终结之间存在内在的联系。丹托看到了这一点，他促使我们思考艺术为什么不能自律地存在。艺术主要是通过感性方式把握世界，通过艺术形象传达艺术观念，而感性认识有时是不可靠的，感性形象的表现范围和思考空间也是有限的。这些特点表明艺术不能像数学、物理学一样，通过抽象概念认识真理，而只能在有限的时空下表现精神和理念。艺术的本质在于它始终不能脱离现实语境，始终需要在感性认识与抽象逻辑间寻求平衡，一旦脱离了适当的语境，艺术也就失去了解释的合理性。杜尚的《泉》无疑是最具争议性的艺术品之一，丹托承认了它的哲学意义，却对它的艺术意义持有悲观的态度。杜尚将一个现成的小便器命名为“泉”，其本身就是对概念的一次玩弄，是对艺术哲学化的一次实践，因为不管从哪个方面看，小便器都没有美的属性，它之所以具有审美的价值就在于它所蕴含的哲学思考，《泉》不具备美的形式，却具有美的观念。“杜尚作品在艺术之内提出了艺术的哲学性质这个问题，它暗示着艺术已经是形式生动的哲学，而且现在已通过在其中心揭示哲学本质完成了其精神使命。现在可以把任务交给哲学本身了，哲学准备直接和最终地对付其自身的性质问题。”丹托最终又回到了黑格尔那里，也正式地提出艺术将终结于哲学。他虽然克服了黑格尔忽视艺术自律性的弊端，但仍认为艺术会在丧失自身规定性之后被哲学取代。丹托的结论不禁让人失望，他提出艺术要有历史感，却又没有为艺术找到一条正确的发展道路，而是用哲学剥夺了艺术，不仅忽视了现实对艺术的意义，更将艺术发展为一种观念，这些都是有待重新思考的。
三、后现代视野下艺术的重生
后现代社会的到来决定了艺术必须向现实敞开，艺术的本质成为了一个蕴含多种可能性的、开放的领域。艺术的本质具有了无限性，艺术形态也就具有了无限种可能，各种后现代风格的艺术流派也获得了生存的土壤。从自律到开放，艺术的发展似乎从一个极端走向了另一个极端。
在现代化进程中，我们生活的世界发生了深刻的变化：一方面科学技术不断发展创新，人类文明发展程度不断加深；另一个方面科学技术与工具理性也造成了人与自然的对立，唯理性、唯技术不仅使人们的精神生活日益贫乏，使艺术存在的社会基础变得摇摇欲坠，更改变了艺术品在社会中的定位。本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中提出了“光晕”1的概念，它表明艺术品天生有标准，并且应该是独一无二的、权威的，而没有“光晕”的艺术品不是真正的艺术品。但在工业社会中，在机器与技术的操纵下，艺术品的生产变成了大规模的机械复制，从而失去了独一无二的权威性。同时，艺术品也从殿堂中走出，成为大众都可以获得的消费品。这样的一个必然结果就是艺术的非艺术化。也就是说在后现代语境中，艺术又回到了什么都是艺术、什么又都不是艺术的最初状态，艺术变得无处不在了。“艺术的终结”表明艺术不会消失，而是走进了大众的日常生活之中。
这样看来，当艺术的自律被整体打破以后，艺术又遭受着新的审美危机，而这种危机产生于我们所生活的时代。但是，这种危机却不会使艺术走向终结，相反，艺术将在与时代的对抗中获得重生。后现代的“祛魅”使日常生活审美化成为必然的趋势，艺术的生产和接受方式都发生了极大的变化，那么艺术自救的道路也应该是回到日常生活之中。一时代应有一时代之艺术，大众社会中的艺术首先需要对自己重新定位，重新的探索与界定自身的概念与本质。其次，艺术自身需要一些不可动摇、安身立命的标准。艺术需要在与工具理性的对抗中，为自身树立权威。同时，走向生活的艺术要始终处在历史语境与现实语境中，在精神内容与物质形式上求得统一与和谐。艺术不可能脱离社会而获得独立的历史，“为生活的艺术”将取代“为艺术的艺术”。未来艺术将发展成什么样子是难以预测的，但艺术不会终结却是肯定的。一时代的艺术形态必将随时代的离去而消失，但艺术整体却不会终结，艺术始终是在否定之否定的规律中扬弃传统，发展自身。
E. 一日生活哪些环节能发展艺术领域目标
摘要 大班美术：绘画：在幼儿观察物象的形状、 颜色、结构等的基础上，培养他们用绘画 和手工（泥”二纸工、自制玩具等）充分 表现自己对周围生活的认识和情感。逐步 培养幼儿对美术的兴趣以及大自然、社会 生活、美术作品中美的欣蓄力。发展幼儿 的观察力、创造力、发展手部肌肉的协调 性、灵活性，初步掌握使用美术工具及材 料的技能。
F. 艺术领域包含哪几个方面的学习与发展目标和教育建议
（一）感受与欣赏 目标1、喜欢自然界与生活中美的事物 教育建议：和幼儿一起感受、发现和欣赏自然环境和人文景观中美的事物。 目标2、喜欢欣赏多种多样的艺术形式与作品 教育建议：创造条件让幼儿接触多种艺术形式和作品。
（二） 表现与创造 目标1、喜欢进行艺术活动并大胆表现。 教育建议：创造机会和条
件，支持幼儿自发的艺术表现和创造。 目标2、具有初步的艺术表现与创造能力 教育建议：尊重幼儿自发的表现和创造，并给予适当的指导。
G. 如何有效开展艺术领域活动的研讨
一、认清开展艺体教研活动的目的
明确目的，才能进行合理规划，制定切实可行的校本研修计划。
1.通过教研活动能有效提升教师学科专业素养和专业能力。
2.通过教研活动能快速提升教师学科课堂教学效能，有效促进学生学科素养发展和能力提升。
3.通过教研活动能有效营造团队研修氛围，提升团队研修水平，形成团队研修文化。
二、拓展艺体教研活动的内容与形式
要以全国学校体育、卫生、艺体教育发展规划》和《学校体育、
卫生、艺术教育工作规程》为依据，结合学校艺体工作中长期规划和学校艺体工作现状来制定学期艺体教研工作计划。我校艺体教研工作可以从以下几个方来思考：
1.各学科教师如何上好自己的专业课。
通过校内示范课、研究课、汇报课、重建课等多层次多形式的课堂教学实践，在团队教师的几天参与下，通过课前磨课、课堂实践、校内外名师引领、课后总结反思、课堂重建等环节，来推进教师上好自己的专业课；与校外学校或协作体联合打造精品课、示范课活动等，来推进教师上好专业课。
2.如何提升教师的学科素养，主要指所教学科的教育教学理念与理论修养。
通过同学科教师共读一本与自己学科相关的教育教学专业书籍并与共读者与教研组教师一起分享学习成果，分阶段性分最好；校内艺体骨干教师引领。可通过对校内艺体学科的深入调研，找准切入点开展有针对性的专题讲座，提升讲座的针对性与实效性；也可通过邀请进修校老师或区内外相关学科教学名师到校就学校艺体学科教学与教育研修中的难点、热点、困惑进行专题指导，及时了解学科教育最新教育教学动态，推进学科理念不断更新，为提升教师课堂教学理念更新助力；鼓励教师走出去，参与市外、省外学科教学交流、培训，并注重事后的校内汇报、分享、讨论与吸收。
3.开展不同艺体学科的教学成果汇报，全面宣传艺体教育教学成果，推进学校艺体学科建设与发展，形成良好的艺体工作氛围。
利用升旗仪式、大课间活动、下午第三节素质教育活动课等时段，开展学生声乐才展示、师生书法与美术作品展、各种特长训练小组对抗赛等。
H. 幼儿园艺术目标领域有什么要点
1、引导幼儿接触周围环境和生活中美好的人、事、物，丰富他们的感性经验和审美情趣，激发他们表现美、创造美的情趣。
2、在艺术活动中面向全体幼儿，要针对他们的不同特点和需要，让每个幼儿都得到美的熏陶和培养。对有艺术天赋的幼儿要注意发展他们的艺术潜能。
3、提供自由表现的机会，鼓励幼儿用不同艺术形式大胆地表达自己的情感、理解和想象，尊重每个幼儿的想法和创造，肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式，分享他们创造的快乐。
4、在支持、鼓励幼儿积极参加各种艺术活动并大胆表现的同时，帮助他们提高表现的技能和能力。
5、指导幼儿利用身边的物品或废旧材料制作玩具、手工艺品等来美化自己的生活或开展其他活动。
6、为幼儿创设展示自己作品的条件，引导幼儿相互交流、相互欣赏、共同提高。
I. 现代西方艺术是如何发展的
美术和音乐是西方人文化生活的重要组成部分。进入20世纪以后，美术和音乐领域有了进一步的发展，出现了许多体现现代精神的新风尚和新流派，令人眼花缭乱。美术界出现了野兽主义、立体主义、表现主义、未来主义、行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术等流派，音乐界产生了印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等新流派。这一时期现代西方艺术的流派呈现出反传统，弘扬个性，反映现实的特点，风格和流派更加多元化，且变化频繁，艺术的中心逐渐由欧洲转移到美国。
20世纪西方现代美术发展的新潮流20世纪的西方美术是现代主义思潮占统治地位的时期，其突出的特点是反传统，从形式到内容都显示出一种叛逆者的姿态。在技法上，大都反对传统的写实主义，追求新奇，空间结构错乱，色彩配置随意，点线紊乱，缺乏透视；在创作主旨上，都主张强调自我，表现个人情感和内心世界。出现这一趋势的原因主要有：一是科技的影响。现代科技的发展改变着人类社会生活的面貌，也改变着人们的审美情趣。照相术和电影的发明对绘画的冲击最大，这两种新技术使运用机械手段准确无误地记录客观形象成为可能，从此意义上来讲，传统绘画技巧所完成的不过是照相机所做的记录事物表面的光反射反应而已。画家们再也不能以描绘事物的表面形状来引起观众的共鸣了，他们只能转向用表现精神领域里面的东西来打动人。二是现代哲学思想的影响。20世纪初出现的现代主义哲学思想为人类进一步了解精神领域的活动提供了前提，尤其是弗洛伊德的精神分析法和法国柏格森的“心理时间”观念等理论为艺术家从事创作提供了有力的思想武器，他们逐渐从描绘客观世界的“外向艺术”转向描绘主观世界的“内向艺术”，艺术的社会职能也相应地由社会和教育功能转为满足人类普遍精神需求的“泛功利主义”。三是古代美术遗产和东方文化的影响。进入近现代以来，考古学家陆续在各大洲发现了一些原始土着文化的艺术品，这些古朴稚拙却又形象生动的艺术品给艺术家带来了创作灵感。东方文化艺术品的西渐，尤其是中国的水墨山水画、印度的石窟艺术等从各种途径传到了西方，这些与西方写实风格相异的新风格为西方艺术界带来了一股清新之风。没有继承，无以创新；没有创新，无以发展。20世纪一批富有创意的艺术家正是站在历史巨人的肩膀上才攀上了一个新的艺术高度。
20世纪的西方各种美术风格流派并存多变，且与商品化的联系更加密切。二战前，美术界出现了众多的现代流派。二战后，新的风格和流派像走马灯一样交错更迭，变异得更快、更频繁，资本和资本的逻辑也已渗透其间。
二战前的现代派美术流派第二次世界大战前，野兽主义。立体主义、表现主义、未来主义、达达主义、超现实主义是影响较大的流派。
野兽主义是20世纪初出现最早的一个现代主义绘画流派。1905年，在法国巴黎举办的秋季沙龙画展中，展出了马蒂斯、弗拉芒克、马尔开、杜飞等一批青年艺术家的作品。因其技法一反常规，被评论家称为“野兽般的艺术”，野兽派由此而得名，马蒂斯为该派的代表人物。野兽派各个画家风格不尽相同，但他们都强调在创作中用大色块和豪放不拘的线条，来表现个人的主观感受和自由意志，画面一般都缺乏透视感，具有装饰性很强的图案效果。
亨利·马蒂斯（1869—1954年）是法国着名的现代派画家。二十多岁正式学画，他继承了许多着名画家的优良传统，并汲取了东方艺术的特点，逐渐形成了自已的画风，创作了大量刻意求新的作品，在美术界产生了广泛的影响，并成为野兽派中成就最高、影响最大的画家。马蒂斯的名言是“准确描绘不等于真实”。这句话成了现代艺术的纲领。他的主要作品有：《生活的快乐》。《蓝色的裸体》、《红色的和谐》、《打开的窗子》和《戴帽的女人》等。
立体主义是1907年在法国艺术界出现的一个新的艺术流派，主要代表人物是西班牙的毕加索和法国的勃拉克等，其中贡献最大的是毕加索。该画派主张把一切形象解体成最简单的几何形块，按画家的意愿组合起来。在他们的画中，一切物体、风景、人物和房子变成了几何图形和方块，既能看到物体的正面。侧面，还能看到其背面。立体派给人一种新的观察世界的方法，即多视角地观察世界，它盛行西方世界达半个世纪，20世纪二三十年代为其最繁荣的时期。
巴勃罗·毕加索（1881—1973年）是20世纪影响最大的画家之一。他7岁开始学习绘画，一生创作了数以万计的作品。最重要的贡献是创造了立体主义。1907年创作了震惊欧洲画坛的《亚威农少女》，画面上五个人物的形体，尤其是脸部、正面、侧面、斜侧面全合到一起，完全违反了人的视觉所看到的形象。这幅作品被认为立体派的开端。他热爱和平反对战争，绘制过《和平鸽》，1937年绘制的反法西斯名画《格尔尼卡》轰动世界。
表现主义产生于第一次世界大战前的德国，其代表人物是挪威的蒙克、德国的基尔希奈、马尔克、俄国的康定斯基等，其宗旨在于表现内心世界感受到的一切，通常总是将现实的东西加以变形，使画面呈现激烈的、粗糙刺目的、悲怆的、恐怖的气氛。
未来主义产生于1909年的意大利，其代表人物是马利奈蒂、波菊巴。巴拉等。他们主张在绘画中要表现感情的爆发，表现飞速运动的力，在一个画面上表现抽象的动态美。
达达主义诞生于1916年瑞士的苏黎世城。该派随便从字典上捡出一个儿童语汇“达达”作为本派的名称，他们以虚无主义态度否定一切，否定理性和传统文化，认为艺术可以不受任何限制，艺术可以是任何艺术家随心所欲的产物。达达主义的代表人物马塞尔·杜桑的作品可以说是达达派的典型之作。使他一举成名的《下楼的裸女》，是一连串如机器人一样的重叠图画；帕行车车轮》是一只现成的自行车车轮倒竖在一张木凳上；《泉》是一个钉在木版上的小便池，更是惊世骇俗。
超现实主义是1922年前后从达达主义内部分化出来的一个新流派。该派在弗洛伊德学说影响下，力图系统研究如何表达人的“潜意识”。代表人物有西班牙的达利和米罗等。达利的《记忆的静止》，勾画了一个产生错觉的痛苦世界成内战的预感》描绘了战争给人带来的恐惧。米罗的代表作为《海滩上的女人》等。
二战后的现代派美术流派第二次世界大战并未使艺术发展本身的趋势得以中断，自20世纪初出现的各种现代主义美术流派，在战后依然显示着它们的创造力。但战争和社会的变迁毕竟还是会对艺术的发展带来了重要影响，出现了一些新的流派。其中比较着名的有行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术、照相现实主义等。这一时期，现代主义艺术运动的中心从法国的巴黎逐渐转移到美国纽约。
行动绘画和色彩抽象绘画是五十年代在纽约产生的最为风行的一个美术流派，它属于抽象表现主义艺术，在战后西方艺术史上有着重大的意义。行动绘画又称“滴画”，最着名的画家是杰克逊·波洛克，他用在画布上滴溅颜料的方法，开创了绘画活动与下意识活动相结合的新途径。画家沿着画布边走边滴，他自身的运动与滴色动作相协调，由此来反映画家的绘画行动，所以得名为“行动绘画”。这种随意性极大，不受任何绘画技巧理论的支配，最终出现何种效果连画家本人都难以预料的方法，是与绘画中一切传统形式相背离的，它只关注于绘画材料本身和绘画语言，去追求色彩的的偶然效果。色彩抽象绘画，亦称“大色域绘画”。五十年代，以美国的马克·罗斯科为该派的代表。他的画往往是由简单的形状、彩色的方块、粗粗的线条组成，构成了一种抽象的空间，似乎表达了某种信仰或精神要素，常人往往是看不懂的。
欧普艺术又称“光效应艺术”或“视幻艺术”，兴起于六十年代的欧美。这一流派的艺术家运用各种黑白或彩色几何形体排列、组合、对比，或重叠，‘或交错构成复杂的图像，给人造成视角的错乱，形成变形、颤动等幻觉。该流派在英法意美等国颇为流行，拉丁美洲的阿根廷等国也出了一些名家。其代表作有：英国女画家赖利的《羽纹》、《三场暴雨》、《领悟》，法国画家瓦萨莱利的《索拉塔—T》，阿根廷的莱帕克的《三棱镜视幻作品》等。由于这种艺术的商业广告效应很好，因此，被广泛用于装饰艺术品的设计。
波普艺术是20世纪六十年代最典型的具象艺术。波普是大众的意思，所以，波普艺术又叫做“大众艺术”。1952年，一批英国的年轻画家、雕塑家、建筑师以及艺术评论家聚会，成立团体，倡导关注大众文化，由此掀起了一股波普艺术热。以后，在美国这种艺术流行起来。美国人罗伯特·劳申堡成为该派最着名的代表人物，他用照片、剪报和各类印刷品拼装起来，再用油彩画上几笔，构成一幅作品，后来，干脆用一条薄棉被作底，加一个枕头上去，再泼上颜料任其流淌下去，构成作品。这种作品与原来意义的画不完全相同，既有画的成分，亦有雕塑品的成分，还带有实物装拼的成分。
照相现实主义又称超级现实主义，是六十年代后期出现的绘画流派，也是高科技时代出现的一个新流派。该派的基本方法是摄影的放大和临摹。在题材选择方面比较广泛，往往借助于一张好看的照片或幻灯片放大作画，通过极端琐碎的细节临摹，以期达到比照片更真实的视觉效果二他们认为“逼真”和“酷似”才是艺术的要素。该画派最有影响的代表人物是查克·克洛斯，其代表作是《裸女》、《约翰》、《自画像》等。
20世纪西方现代音乐发展的新潮流20世纪西方音乐艺术进入了一个前所未有的复杂时期，多样性、复杂性和多变性是其明显的特点，多种多样的风格和流派层出不穷。它们互相并存，互相影响。一方面它们和其他艺术形式一样也具有典型的20世纪特性，即挣脱传统束缚，主张标榜自我和反理性。另一方面，又有唯理性和反浪漫主义的一面。认为音乐是抽象的，除了自身。它不能表现任何东西。现代音乐与传统音乐相比在技巧上出现了许多新变化，如调的概念与和声概念的变化，乐曲节奏和旋律的变动，电子音乐的出现等。目前，随着科学技术的发展、传播技术的进步和交通的发达，各国间文化交流日趋增多，音乐的国界正在逐渐消失，流行的速度与频率也日益加快。20世纪主要的音乐流派是印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等。
印象主义音乐、表现主义音乐和新古典主义音乐印象主义音乐出现于19世纪末期，其影响主要产生于20世纪，其代表人物是法国作曲家德彪西。印象派音乐大师德彪西，被认为是20世纪音乐界承前启后的天才，他结束了一个时代，并把那个时代的成就推向高峰，同时又为一个新的时代开辟了道路。
德彪西出生于巴黎近郊，家庭没有任何音乐背景，11岁入巴黎音乐学院学习，不断探索音乐的表现手法，1884年获罗马大奖。在19世纪九十年代，开创了音乐史上的印象派。作品多以诗、画、自然景物为题材，着意刻画人物的感情，揭示人的精神世界，在调式、和声、音色等方面逐步形成独特的艺术个性，并以崭新的音乐语言开拓了现代音乐的发展道路。在他创作的音乐中，人们可以领略到一种朦胧、飘忽、空幻、幽静的意境。他先后写成的管乐序曲《牧神午后》、歌剧《佩利亚斯》、管弦乐《夜曲》。《火海》以及钢琴曲《月光》等，都是印象主义的代表作。
表现主义音乐是19世纪末20世纪上半叶西方现代派音乐的一种重要流派，它同印象主义音乐观点相反，印象主义音乐重在反映外部世界，强调客观性；表现主义音乐重在表现内部世界，强调主观性。表现主义音乐的主要代表人物是勋伯格及其弟子贝尔格和威伯恩。
勋伯格生于维也纳，一生中没有受过多少正规音乐教育，几乎是自学成才，1908年后，在表现主义思潮影响下追求无调性等现代派创作手法，创造了无调性音乐。这种音乐总是处于紧张状态，刺激人的听觉，适合于表现处于紧张状态的20世纪的“人”。二十年代他创造了十二音体系，并按此体系写了大量乐曲。所谓十二音体系，就是摒弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二音体系任意排成一个音列，然后以倒置、进行等技法加以处理。为了避免任何一个音成为主音。在十二音未全部出现之前，其中任何一个音不得重复。十二音体系对70世纪音乐产生了巨大影响。他的学生贝尔格和威伯恩以后对十二音体系进行了创新和发展。勋伯格的作品主要有：弦乐六重奏《升华之夜》、歌曲《摩西和艾伦》、大合唱《华沙幸存者》。
新古典主义音乐是在两次世界大战期间兴起的。一些作曲家把18世纪古典主义原则与20世纪新文化结合在一起，简化乐曲的素材、形式，大大压缩乐队的编制，使音乐风格简洁、冷静而富于理性。主要代表人物是斯特拉文斯基。
斯特拉文斯基（188—1971年）生于俄国，1934年加入法国籍1945年取得美国籍。他的作品种类多，风格变化大，几乎涉及所有的重要现代流派。其着名的作品有：芭蕾舞剧《火乌》、《春之祭》、歌剧《浪子的历程》等。
电子音乐和爵士音乐电子音乐就是运用电子技术与设备制作出来的音乐。20世纪科技发展迅速，音乐与科技相结合成为现代派音乐的一大特色，一些作曲家不满足传统的乐器音响，开始大胆创新，尝试电子音乐。1951年，西德科隆广播电台首创电子音乐制作室，并于1953年生产第一件作品。1956年左右出市。电子发声器装置”，把各种发声器和声音变化器结合到一起．由统一的系统进行控制，使电子音乐的制作过程大为简化。六十年代出现半导体技术后，合成器更加完善和小型化，并能参加现场演奏。随着电子计算机进入音乐领域，人们通过编制好的程序复制出特定风格的音乐，制作者运用电子技术可以任意组合各种奇异的音响，随心所欲地按照自己的想象进行创作。电子音乐开辟了一块新的领地，开拓了无穷无尽的声源，发展前景为音乐界人士看好。
爵士音乐是19世纪末叨世纪初在美国密西西比河下游的新奥尔良产生的一种全新的音乐流派，十几年后风靡美国，迅速传遍西方世界。它最初多数为新奥尔良黑人乐队演奏，当地黑人的祖先多数源于西非洲，因此，爵士乐具有强烈的西非洲音乐风格。
黑人处于美国社会的最低层，处处受到歧视和压迫，他们想摆脱现实生活的苦闷，因此在劳动、社交场合唱的歌曲中探合了白人的其他音乐，造就出了深含忧郁的歌调，被称为“蓝调”，这是爵士音乐的前身。后来当地一些乐队和黑人歌曲进一步合流，不久形成了最初的爵士乐。爵士音乐是一种喧闹、狂热的音乐。这种音乐以即兴演奏为基础，节奏感强，富于变化，适合表现现代生活。美国作曲家格仁文的《蓝色狂想曲》是现代最着名的爵士音乐作品。爵士音乐对以后出现的“摇滚乐”、“迪斯科”音乐等产生了深刻影响。