如何选艺术人物画

1。形要准。简单说来就是要画的像。
但是为什么有的人明明没画像但结果仍是高分？因为阅卷老师根本不知道你画的人到底是谁，所以，阅卷老师判断你画的像不象的唯一条件就是你画的人结构正确，是个符合人比例，结构，头骨，肌肉的人。（只限于真人头像）
2。要完整。画面完整是考试素描的关键。（不论是不是头像）
什么叫画面完整？就是形完整，你所画的光影也完整。所谓光影的完整不是说你画的越黑，涂的越多就是完整了哦，而是说你把握的黑白灰关系正确，就是常说的素描关系正确，画面才能说是完整。
3。有体积。特别是头发，（因为很多很画不好）要是没有，你就白画了。
体积表现的是物体的厚度，体积的表现要在理解了结构的基础上。
头是个近似的球体，鼻子是个近似的长方体。。。那分解开来，或者你画石膏像/分面像的时候所练习的，都是为了理解结构和学习表现体积。
二：画色彩不象素描，很理性，如果把素描比做文化课就是数学，那色彩就是语文或者英语，是需要感觉的。这就是所谓的色彩感觉。
男生的色彩感觉本来没有女生好，那怎么弄？？？但是考试色彩不需要那么多感觉，理解一样可以让你考上美院（只要你不考油画，你上了美院以后就不会很OVER）
对自己有信心。
画好素描是画好色彩的基础，比如：你色彩画不来衬布，那你素描画衬布一样画不来，至少画不好吧？
画不好衬布主要是掌握不了衬布的体积，画出来是平的，看上去只是衬布上脏了几条。
那么你要先画素描的衬布，分块面（非常重要，一定要走的一步），如果能画非常深入的分面素描，深入的去分析它的转折，各个布折之间的关系，深入分析它的体积，光影，用块面表现出来（不要画的圆呼呼的）。如果画2-3张，再来画色彩的衬布，那素描的块面就是画色彩的衬布的笔触，这样即使颜色上不太对，但是体积是出来了的，一看就是很实在的衬布，那就是成功的一步。其实色彩就是笔比铅笔宽点，你还会画吧？
2。色彩上的大问题。
不说衬布之类的细节，你画的色彩有没有色调？？什么是色调？色调就是你这副画笼罩在一种怎样的颜色里？说白了，考试的画，色调基本都是你衬布的颜色，每样物体的暗部都加一点点（少）这种颜色，OK，画面物体间才有联系。
色调是分数的基础，没有色调，一切都没有。风景更注重色调，千万注意。
3。如果是画风景，就把风景当作静物来画。不要把风景写生看的很难，和静物写生一回事，主体物的罐子，就是房子。衬布就是大背景，大山，大水。树就是苹果，面包，一个道理，自己练习体会。
4。很多考生都不注意的，色彩上不光有明度，色相，纯度的对比，最重要的冷暖。冷光下，亮部冷，暗部暖，暖光反之。明白？
如果没有这个，完了。
最后说一点点大的方法，整体观察，画画要整体观察！
别人眯着眼睛看物体不是近视，而是在比较物与物之间的颜色关系，都是红色哪个暖一点，哪个偏蓝一点。整体观察致关重要哦~

三：还有就是速写
最后，速写要多画手，脚和头，很多考生因为觉得手难画就避开它，那就完了。理解不了结构就临摹，总之，要想快速的提高速写，就要除了吃饭睡觉上厕所，三分钟不停笔，等你的速写可以用斤来算，而不是用张，那你就可以在考试上拿到高分了。学习速写的方法

①多临摹：对优秀作品的临摹，是初学绘画者最快捷简便的学习方法。通过临摹，一方面可做为训练造型能力的手段，另一方面更重要的是学习其表现方法，应用在以后的学习中。

②熟生巧：速写的工具较为简单，利用速写本可以随时随地记录生活的每一个侧面。只有多画多练才能提高专业水平。

③勤用脑：学习绘画是一种艰辛的劳动，画速写决不是照抄对象，所以在速写写生中应注意多动脑筋，结合优秀示范作品认真对照思索。

④由慢到快：速写训练要遵循人们的认识规律，由慢到快，这是速写训练中，在时间限制上要遵循的原则。慢，是指以较慢的速度将对象较准确地记录下来，形体的准确是重要的。但速写又有一定的时间限制，速度只能在速写实践中逐步锻炼培养。
速写的主要表现形式

速写的表现方法很多，现仅就辅导班最普及的两种方法作一介绍：

①以线为主的速写

在表现物象的过程中，从结构出发，将物象的形体转折、变化运动和质感用概括简炼的线条表现出来。它应具备造型严谨，形态自然生动，线条运用得当，整体效果好等特点。它通过线的粗细、虚实变化表达主次关系、空间关系。

②以线为主，线面结合的速写

以线为主线面结合的速写表现形式，在写生中，尤其在课堂较长时间的针对美术高考的训练中，能较好的发挥速写的特点，这也是目前速写训练中常用的表现手法。通过对部分明暗交界线及暗部、衣纹处调子的补充添加，来表现物体，其特点是层次丰富，表现力强。

线的运用

①线的穿插

表现好线与线之间的穿插和呼应关系，是使画面富有节奏感的重要因素。同时，线的穿插呼应关系和透视关系对表现物象的空间感、层次感起着重要的作用。不同方向的线的组织穿插，给人前后方向感是不一样的，它可以直接表现物体的透视方向。但速写又不同等于线描，如果每一处的刻画都象线描一样那么注意衣纹，线与线之间的穿插呼应又失去了速写富有节奏、流畅淋漓的韵味。

②线的取舍提炼

速写训练中，基本形肯定之后，对于线的处理应注意以下几点：“衣纹线”应注意忌平行，注意疏密对比，体现结构。“结构线”要准确，贴皮肤处要实一点，线要准。“惯性线”刻画时不要画得太多，且不宜画得太重。

③线的对比

在速写中，通过对比发现物体形体比例、透视关系的正确与否。而速写中强调在形体比例、动态、透视等几方面准确的前提下，利用和强调线的对LL，通常有以下几种对比手法：

线的曲直对比、线的浓淡对比、

线的虚实对比、线的长短对比、

线的疏密对比、线的粗细对比。

④关于结构

速写的目的在于培养正确的观察方法及严格的造型能力。写生者必须具备扎实、熟练的人体解剖知识，这样在写生中才能做到游刃有余，人体的内部结构是没有变化的，变化的只有随着人体运动的动态、衣纹等。因此，线的运用与结构有着密不可分的关系，表现方法要为表现结构服务。

慢写人物画的基本方法步骤

在慢写人物画的训练中，为了更好地表现人物，我们可以在画慢写之前进行一个阶段的人物小型头像写生，头像不一定画得太大，只十公分左右就可以了，另外还应进行手与脚的单独写生训练。因为在速写中头与手是非常重要的部分，须重点刻画。

①整体观察、熟悉对象

整体观察对象，掌握对象的形体、比例、运动特征，从这些基本点着眼来分析研究感受对象表现对象。初步酝酿成熟后，头脑中应出现画好之后的大体效果，而这个反应是很快的，我们不妨叫它“成竹在胸”。

②构图布局 。

根据选择的角度，把写生对象安排在画幅的适当位置。将对象大的比例、动态画出。

②落幅定形

轻轻落笔，从整体出发，用长直线或长弧线很快确定大的基本形体，抓住大的形体比例关系及透视关系。基本形体抓住之后，进一步检查画面是否需进一步调整，可将画面推远，从整体检查形体比例、动态、透视是否准确无误。写生中，检查、调整、修改应贯穿始终，可以说，作画过程是一个不断调整不断修改不断完善的过程。

④局部肯定

在基本形确定的基础上，从局部开始塑造形体，一般从头部画起，用准确肯定的笔触开始描绘对象的五官形象，从上到下，将对象的手及身体轮廓、衣纹等做进一步刻画。这里应注意手、脚的透视方向，头发部分不要画得太早。对衣纹部分的处理应注意几种对比变化，即浓淡、虚实、粗细、曲直、长短、疏密对比。在对头、肩、手、脚刻画时应注意其内部结构关系

④ 艺术百佳比赛画画题材怎么选

需要看比赛有没有规定具体的绘画主题。
1、如果是纯艺术的绘画，画生活中的不同岗位的劳动人民比较好，素描水粉都可以，建议画水粉或丙烯，素描考验功底，水粉或丙烯更多看感觉。
2、如果是设计类的绘画，建议画把很多事物简化成几何体的方法，分成不同的板块，再填上颜色，会非常地好看。
3、如果是中国画的话，建议画花鸟草木，不建议画人物，人物太难，没有几十年功底画不好，淡彩的山水画是不错的选择。

⑤ 如何画出一个逼真地人物

画像一个东西，不要只看物象的表面，要了解物体的内在结构。人的骨骼肌肉怎么形状，怎么覆盖，不要求了解的很是准确，但你要知道那里有什么，是怎么个相撞和交织在一起的。每一个动作表情是有哪些肌肉骨骼运动得到的。不管是线描还是素描，都是一样的，了解结构才可以画像，画得准确。我是画插画的，写实的那种。我观察物体都是结构以及运动的规律和运动对身上衣物配件的影响。那才会画的真实。神态固然很重要，但那是在了解结构之后。纵观国内外每个画写实人物的画家，插画家，漫画家哪个不是对人体结构，面部结构都有自己的详细理解阿。所以，了解结构，再抓神态。那你才会画的真实，画的传神。画的像活生生得人。

⑥ 客厅装饰画选什么更合适

客厅装饰画选什么更合适？客厅装饰画一般以山水画选择的居多，山水画寓意吉祥丰富，俗话有：山主人丁，水主财。山水画寓意有靠山。

客厅装饰画选----“中国红”系列

李国胜竹子山水画《竹报平安》

论家中一抹绿的重要性，清新的沙发背景墙，简直可以完胜任何一处自然美景。让家里多一份清静与灵气。

⑦ 关于近、现、当代的人物画的问题！

中国画的人物画问题，一直是中国画研究院重视和研究的重点课题。在此之前，中国画研究院曾经在1987年、1991年和1993年前后三次召开全国中国画人物画问题研讨会。这些会议对中国画人物画创作起到了积极的推动作用。人们在回顾中发觉以往三次会议都从不同的角度强调了生活对人物画的重要性，都强调了人物画应该着重表现现实生活、社会和人。人物画脱离现实社会和生活，淡化情节性和主题性的倾向，大约从80年代初开始。其时，文化大革命以前艺术必须为政治服务的简单公式和文化大革命中阶级斗争统帅艺术的极左思潮，由于文化大革命的结束而遭到了猛烈的批判。艺术家从长期的思想桎梏中解脱出来，开始追求一种自由创作的境界。最初这种追求是以两种不同的形式表现出来的。一种是仍以现实主义的手法和主题性的方式，用作品所表达的强烈的思想性，直接对以往的政治问题、社会问题提出正面的批判。而同时，也就间接达到了对以往艺术问题的质疑和批判的目的。如与伤痕文学异曲同工的伤痕绘画即是如此。另一种对以往艺术问题的批判则从艺术的本质出发。例如对艺术功能以及艺术的形式与内容的关系的讨论。这种讨论直接引发的便是画家在创作中对形式美的热烈追求和对艺术创作中的主题性、思想性、社会性等问题的逆反心理。以上分析的两种批判形式，经过十多年来的艺术实践，相比之下，似乎后一种更接近艺术的本质问题，更带有艺术改革的根本意义。所以一时间轰轰烈烈的对社会和政治问题提出尖锐批判的所谓伤痕艺术，早已偃旗息鼓，成为历史，而淡化艺术的社会性和思想性，强调艺术形式美的至高地位和永恒意义的艺术思想倾向，却还方兴未艾，继续吸引着艺术家们的研究兴
趣。80年代中期曾经兴起的所谓新文人画派，也可以说是这种思潮的一个小高峰。这种画派更直接地在艺术创作的主题和内容上，远离现实社会和人，追求文人士大夫气和野逸风格，直言艺术不过是“玩玩”而已。这种主张实在是已经将艺术与社会、艺术与人分离得相当远了。

然而艺术不可能有如新文人画家们所希望的那么纯粹，艺术是社会的艺术，是人的艺术，而且从来如此。人物画艺术尤其如此。古往今来，无论中外，人物画的名篇佳作，无不具有鲜明的思想性、社会性和时代性，无不反映着画家对于人的深刻认识和理解。人物画之所以在中国画中独立成科，也正因为它具有与山水画和花鸟画所不同的属性，这种特殊的属性就是它与人和社会、时代的密不可分的关系。如果过分淡化甚或取消这种属性，那么人物画将失去其本质特征，也就无所谓什么人物画了。但是我们今天强调人物画的人和社会、时代的属性，并不意味着重新回到人物画为政治服务、为阶级斗争服务的旧路上去。事实上，人物画如何体现它的人和社会、时代属性问题，已经在近些年人物画创作实践中，有了多样式的新解释。画家们都在各自理解的基础上探索着新的途径。在当前美术界宽松的气氛中，在艺术思想多元化的前提下，相信人物画创作经历了反复探索的路程之后，定会有一个大的进展和新的面貌。

中国画人物画相对于花鸟画、山水画有其特殊的属性，中国画人物画相对于油画或其他画种的人物画，又有其特殊的属性。这一层意义的关键，在于“中国画”三个字上。

人们还记得，早在1987年的一次人物画研讨会上，中国画人物画存在不存在超负荷的问题，曾经引起热烈的讨论。这反映出当时面对美术界种种新潮的兴起、格局的变动，人物画画家一方面对过去政治因素的干扰和压力心有余悸，另一方面又渴望在创作题材和形式上都能得到进一步解放的心情。同时，也说明人物画画家正在力图客观地审视中国画现代人物画的创作现状，认识其中的困难和不足，进一步研究中国画人物画的特殊属性，争取在中国画人物画的表现力和反映时代的深度上有所突破。首先，中国画人物画是有写实性传统的。在中国美术史上，人物画发展的高峰如唐宋时期，曾经非常强调人物的写实性。中国画传统理论中的“以形写神”，也是强调通过准确的造型，去描绘人物的神态。历史上人物画的经典之作，如《韩熙载夜宴图》等，都在写实性方面取得了巨大的成功。但是，显而易见，中国人物画传统造型观的写实性，与西方绘画传统造型观的写实性，体现着东西方绘画在审美观念上的巨大差异，是不能等量齐观的。以西方传统的写实造型观否定中国传统的写实造型观，与用中国传统的写实造型观否定西方传统的写实造型观一样，是绝对错误的。

在19世纪末期西方绘画传入中国之前，中国画的写实造型观，是在一种封闭和自律的轨道上发展的。但是19世纪以后，20世纪初期，西方绘画传入中国，中国画家留学东洋和西洋，整个中国绘画开始发生巨大的变化。这变化最带实质性的方面，也许可以说就是在写实性的造型观上。中国人看到了一种无论在形象还是色彩上都写实到如此真实程度的美术。虽然传统派的泥古者极力排斥这种“阴阳脸”、“虽工亦匠”的美术异类，但无奈大势所趋，后来连九五至尊的皇上和太后老佛爷也把洋画家请进宫去为自己造像了。中国人在写实性造型观上，渐渐地接受了一些西方人的观点，开始修正千百年传承下来的法则。最终，一批留学西洋的中国画家，把纯粹西方式的造型法——素描移植到中国来。或者可以说，中国的现代美术，由此算是发端了。经过几代人的实验，今天几乎所有培养中国画家的美术院校，都在用西方的素描法(或改革后的西方素描法)教授学生掌握造型基础。可以毫不夸张地说，没有西方素描法的引进，画家不掌握西方素描法(或改革后的西方素描法)的基础，几乎谈不上现代人物画创作。以素描的基本法则为造型基础，充分发挥中国画传统的线条、笔墨等审美特色，这似乎可以说是中国画现代人物画形式美的主要内涵。在现代中国画人物画的发展历史中，徐悲鸿、蒋兆和、周思聪等正是在这样一个内涵中，沿着这样一条线索，在不同的层面上，做出了他们突出的历史贡献。他们的代表作《愚公移山》、《流民图》、《矿工图》等，都成了中国画近现代历史上的经典之作，并且对同时代人和后代人产生了巨大的深远的影响。

中国画现代人物画需要素描，已经是不争的事实。现在的问题是已经掌握了素描造型的中国画人物画画家，怎样领悟中国画的历史传统，把中国画传统的精神实质和审美特色融会到现代人物画创作中去，创作出新样式的中国画现代人物画来。

在设想中国现代人物画的今后发展时，有人提出以学院派为前导的现实主义人物画创作道路。这个设想显然考虑到学院派画家扎实的造型基础和较为全面的艺术修养，以及将西方引进的现实主义与中国画传统的写实性相结合等问题。

继承和研究中国传统人物画的造型体系，摒弃其中僵化陈腐的部分，发扬其中积极生动的部分，在此基础上，延革和发展中国人物画的造型体系，使之符合现代人的审美心理，适应现代人物画的创作需要，是一个细致而艰巨的任务。这个工作更需要实践和时间，甚至几代画家的努力。但是意义是明确的，方向是无疑的。

回顾现代中国画人物画的发展史，主要是从20世纪30年代至今，潮起潮落，几度兴衰。从思想性上讲，究其与时代和社会的关联，从艺术性上讲，考其继承传统和改革创新的成就。总的看来，当前应该是现代人物画创作的最好时机。在经历了30至40年代的革命和草创，50至60年代的光荣和梦想，70年代的迷狂和变态，80年代的激昂和重建之后，经验和信心充实了我们。时代在给我们提出要求的同时，也把机遇给了我们。相信今后的几年，中国画人物画可以有一个较大的发展。

人物画要表现现实生活、社会和现代人，是历次人物画研讨会上的共识。但是对人物画创作的题材问题、形式语言问题以及现实性和时代性等问题的理解，画家们显然各有侧重，不尽相同。有些人重视和强调题材的选择，认为美术史上的传世之作多为反映当时社会的重大题材。因此认为题材是衡量作品是否具有现实性、能否具有重大社会意义的决定性因素。并且认为对于题材的选择也体现了画家的历史使命感和社会责任心。但是另一些画家仍然反感“题材决定论”，认为题材并不是一幅作品成功与否或者能否成为传世之作的决定因素。相反，他们把注意力放在人物画形式语言的探索上。认为人物画形式语言本身就具有鲜明的时代性，它所能体现出来的意义，决不亚于题材所能体现的意义。从艺术本体论的角度来看，甚至比题材所能体现出来的意义也许会更重要一些。从这个意思上讲，形式语言的本身也是题材的范畴。所以，作品表现了现实题材，并不一定就具有现代性；同样，脱离时代和社会的作品，并不一定表现在题材上。而那些在形式语言上陈陈相因、僵死不化的作品，无论表现的是什么题材，必定也体现不了时代的精神。基于这种理解，一些画家认为，当前中国画人物画面临的主要任务和重要课题，是如何在形式语言方面有所突破。这个工作主要包含两个方面。一方面是研究传统，巩固根基；另一方面是解放思想，开阔眼界。新的形式语言只有在反复实践中，在失败和成功的不断总结中，才能逐渐形成和成熟。新的形式语言又不可能也不应该是唯一的或统一的，它应该体现出新时代艺术的多元性、丰富性、生动性和创造性。

在讨论人物画形式语言的具体问题时，有人认为有必要重新强调写生的意义。现在的人物画画家借助于照像机等现代化工具，往往忽略了写生这个创作过程的重要环节。画家在写生的过程中，可以与写生对象产生直接的感觉和情感上的交流，达到深刻理解对方和调动自我创作积极因素的目的。写生与仅凭形象资料或闭门造车是大有不同的。

还有人认为形象塑造是当前人物画创作中的一个薄弱环节。回顾近年来的人物画创作，我们可以记起许多笔墨精采的画面，但却很少能记起给人留下难忘印象的感人至深的人物形象。人物画创作中形象塑造的平庸化、简单化、类型化、雷同化等弊病，是当前人物画创作缺乏深刻思想性的重要原因。应该引起人们的重视和警觉。因此有人提出当前需要提倡肖像画的主张。并且主张以肖像画为突破口，从而引导人物画创作向纵深发展。人物画中形象问题的重新提出，反映了作者和欣赏者都已厌恶了那种当前人物画中率意为之、虚假空洞、千人一面的流行样式，期望着能够看到生动而感人的人物形象。

在人物画形式语言的探索中，还应该注意克服人物画本身的局限性。中国画虽然由历史延革下来分为人物、花鸟、山水画等类别，但就中国画艺术的本质特征而论，无论人物画、山水画还是花鸟画，都是相通的。所以人物画借鉴于花鸟画、山水画，是理所当然的。奇怪的是，这个浅显的道理却被大多数人物画画家所忽略。但是我们已经看到有的人物画画家在这方面取得了探索的收获。现代人物画需要借鉴西方传统美术和现代美术，自不待言。另外，水墨人物画也不应该是中国画人物画的唯一体系。工笔人物画或其他形式风格的人物画都应该得到发展。我们注意到，有的画家从中国传统壁画和民间绘画等形式中汲取营养，已经创造了一些现代人物画艺术语言的新形式。

画家们普遍感到了建立中国画理论体系和批评体系的重要性。中国画艺术在理论方面本也有自己富厚的传统，可惜当前研究者不多，深入研究者更少。在西方近现代美术理论传入中国之后，怎样将其通过与中国传统美术理论比较研究，加以深化和利用，也做得不够。于是有论者竟将西方现代或前卫的艺术理论生搬硬套，拿来评判中国画艺术。标准是西方的，现实是中国的，难免评论有失准确。这不但降低了中国画理论研究和批评水平，更直接影响到画家们的创作思想。至于那些趋炎附势、追求时髦、故弄玄虚和唯利是图的所谓评论，则更应取消。画家们希望能与理论家、评论家们建立平等合作、互相研究、共同提高的关系。建立中国画艺术自己的理论和批评体系，协调理论、批评与中国画创作实践的关系，加强理论家、批评家与画家之间的互相理解、合作和支持，对推动当前中国画艺术的发展，肯定有非常重要的现实意义和历史意义。

当前人物画创作的几种倾向：如何正确对待东西方艺术的碰撞问题；人物画的功能，人物画画家特殊的素质和修养，画家如何对待观众和培养观众，发扬创作个性与时代精神的统一；中国画人物画的教学体系问题，艺术规律与经济规律的矛盾和统一：大题材、大主题的标准，力作和精品的标准，以及画家创作自由与主旋律的关系等问题都是人物画画家们普遍关注的问题。

⑧ 如何选择想要的油画啊，大家说下啊

1，确定油画的基本风格
油画的风格要根据装修和主体家具风格而定，同一环境中的画风最好一致，不要有大的冲突，否则就会让人感到杂乱和不适，比如将国画与现代抽象油画同室而居，就会显得不伦不类。
2，确定油画的主体颜色
由于油画的主要作用是调节居室气氛，所以它需要与环境形成反差，从这个角度来说，它主要受房间的主体色调和季节因素的影响。从房间色调来看，一般可以大致分为白色、暖色调和冷色调，白色为主的房间选择装饰画没有太多的忌讳，但是暖色调和冷色调为主体的居室就需要选择相反色调的画了，如房间是暖色调的黄色，那么画最好选择蓝、绿等冷色调的，反之亦然。从季节因素来看，油画是家中最方便进行温度调节的装饰品，冬季适合暖色，夏季适合冷色，春季适合绿色，秋季适合黄橙色，当然这种变化的前提就是房间是白色或者接近白色的浅色调。
3，确定油画的图案样式
油画的图案和样式代表了主人的私人视角，所以无论选什么并不重要，重要的是尽量和空间功能吻合，比如客厅最好选择大气的油画，图案最好是唯美风景、静物和人物，抽象的现代派也不错，过于私人化和艺术化的作品并不适合这个空间，因为它是曝光率最高的场所，还是保守点为好；卧室等纯私密的空间就可以随意发挥了，但要注意不要选择风格太强烈的油画。
4，确定油画的尺寸大小
油画的尺寸要根据房间特征和主体家具的大小来定，比如客厅里，油画的高度在50-80厘米为宜，长度则要根据墙面或主体家具的长度而定，一般不宜小于主体家具的2/3，例如沙发长2米，油画整体长度应该在1.4米左右；比较小的厨房、卫生间等，可以选择高度30厘米左右的小装饰油画。如果墙面空间足够，又想突出艺术效果，最好选择大幅的油画，这样效果会很突出。

⑨ 国画三大画派的特点（人物，花鸟，山水）

中国画分人物画，花鸟画，山水画三个画种。这不属于画派，而是属于画种。通常按照个人的喜好来选择。对于一般初学者来说，先画花鸟画容易一些；人物画由于形体形象的限制难度大一些，画山水画要有对山石，树木结构的了解（观察）。当然。画什么画也都有一个形象或者说造型能力以及水、墨、纸的经验了解和掌握的过程。

过去曾经有种说法，叫作“金山水，银花卉，饿不死的画人物。”意思是说，画山水的很有市场，画花鸟的市场其次，画人物画的没有艺术市场。其实，这是个偏见。什么画种都能画好，也都能画不好，画好了，什么画也都会有市场，关键是画好。

这三个画种的工具都是用毛笔、宣纸、墨汁来画的，所以首先得有书写的能力，具体说就是运用毛笔写字的能力；要能够对毛笔与墨、宣纸之间的控制，使之运用起来得心应手。这是初步。

进一步说，这三个画种也都离不开谢赫所说的“六法”，即：“一.气韵生动；二.骨法用笔；三.应物相形，四.随类赋彩；五.经营位置；六.传移模写。”这“六法”之中最难的就是“气韵生动”，而“气韵生动”把它简单一点说，就是画画要有整体性和整体感，以及对于画面的节奏感觉。其它那“无法”因为比较具体，所以也就好理解得多了。

在此，我没有去谈它们之间各自的特点，而是谈了她们的共性。我觉得共性比区分各自的特点更重要，“万事寓一理”，“一理容万事”。其实许多大画家对于这三个画种也都画的，譬如：齐白石主要画花鸟画，但是，人物画、山水画，他也画。譬如：黄宾虹，他主要是画山水的，而花鸟画，人物画，他也画，或者在山水画中加入人物。而且都能融为一体。