如何看现代艺术

① 如何看待当代艺术

艺术之所以存在是因为人的存在。人类是伟大的动物，造就了各种各样的形式存在和名词，艺术便是其中之一，我想正因为人的个体不同，也就使得艺术存在的形式多种多样，一件艺术品，有的人喜欢，有的人厌恶，那么我们就不能评价这件艺术品的优劣，这就是为什么有各种艺术形式之分的原因。

对于当代艺术，人们的看法也不一样，有人认为艺术也应该顺应时代的潮流，有人认为艺术应该秉持自己的风格，其实，创意总是来自 不同的空间，不同的时间，我们还是不能苛求艺术一定要以某种形式发展，我还是赞成当代艺术的多元化，有不同的人才有不同的艺术，同样，有不同的艺术才能满足不同的人的精神需要，这是一种缘分。

② 可以从哪些方面辨识西方现代艺术，如何简单的分辨现代艺术”和“现代主义艺术”这两个概念。

1 对于艺术的界定一直争论不休，
有当代艺术，现代艺术，后现代艺术，先锋艺术等等
比较普遍的认识，现代艺术与现代主义的艺术的区别是
现代人做的艺术都是现代艺术，而基于现代的意识形态，关注当下问题，利用
现代艺术的媒介来做的艺术是现代主义艺术.
其实不要说西方现代艺术，因为这样会陷入不必要的麻烦之中
其实现代艺术只是某些人的界定，向来只有艺术，只有现代的艺术，没有现代艺术这样一个实体。也没有西方这个实体的概念，西方不是铁板一块，不同人的想象中的西方是不一样的，那只是一个看似常识的文化想象，不信可以拿着地图去让不同的人画出席方的范围，结果肯定是不一样的。说西方现代艺术只是企图将现代的新的艺术手法与认识拒之门外，这对中国的文化建设是极其不利的，是范历史反艺术的，使反人类的。如果没有上面提到的错误说法，就不会有后现代的话语之正，什么后殖民，什么文化侵略，什么重大问题，都是不存在的，使我们的稻草人论证。其实法国人也认为他们的艺术和英国人的艺术及其不一样。德国人也抵制过美国艺术。
这个问题可以关注一下08年的广州三年展。

2 现在帮你毕业
首先要知道你的老师是谁，支持什么理论，尽量不要冒险挑战他
上面说的是较新的理论，我认为是正确的理论（当然很多人也这样认为，并且不久后大家跟定会一致认为）。不知道和不和你的老师的胃口。那么
通俗的理解是：现代艺术首先要从时间上区别于当代艺术，后现代艺术，是中间的一个历史时期。在艺术媒介的运用上，当代艺术主要还是绘画，而现代艺术与后现代艺术主要的装置，影像，行为，观念等等艺术形式（其实这样的提法有很多问题，如果需要的话QQ）

3 关于现代主义、后现代主义的话语希望你多看看有关方面的书籍，有很多方面的。
关于现代艺术这个定义的由来建议看看现代艺术史

③ 怎样区别现代艺术与当代艺术

很好区分，当代艺术是观念艺术，现代艺术是形式艺术。
分析一张作品的出发点是形式还是观念就大概能判断了。
比如立体，抽象，表现，原始，野兽等等通过绘画形式语言表现艺术形式的就是现代艺术作品。
再比如行为艺术，或者一些脱离了传统艺术审美的艺术品，靠特定一些行为和反传统艺术表现审美方式表现作者观念的艺术品就是当代艺术。

④ 如何看待西方现代派艺术

所谓西方现代派美术，是指西方国家从二十世纪初发展起来的现代美术中某些流派--野兽派，立体派，未来派，达达派，表现派，超现实主义，抽象主义，波普艺术的统称。“现代派”一词是和某种新的，非传统的，区别于过去的艺术思想联系在一起的；现代派美术既不同于以往的传统美术，也不包括现代的各种现实主义流派，它与现代的西方美术更不是同一概念，它在其中只占一席之地。

现代派美术发展史 如果说现代派美术引领了西方乃至世界美术，那么引领现代派美术的无疑是这三个人，法国后印象主义画家塞尚，高更和荷兰画家凡高。

现代派美术发展史1905年，以马蒂斯为首，弗拉曼克等人为骨干力量的野兽派在巴黎诞生。他们从塞尚的作品中得到启发，在艺术形式深受高更和凡高的影响，用强烈的色彩，奔放粗野的线条，扭曲夸张的形体，来表现对客观世界的主观感受。与此同时，德国表现主义应运而生，他们否定现实世界的客观性同样一味追求艺术家本人的主观感受，但是他们并不注重于纯形式的探索，而是把绘画语言视为反抗社会西安市，宣泄不满的手段。

两年之后，以毕加索，布拉克为首的立体派在巴黎出现。它先把一切物象加以破坏和肢解，把自然形体分解为各种几何切面，然后加以主观的组合，甚至发展到把同一物体的几个不同方面组合在同一画面上，借以表达四维空间。 自立体派之后，欧洲本土上各种新理论新观念纷纷涌入，于是，未来派在1909年以前卫的姿态与意大利出现。他们排斥过去作为绘画手段的情调和预期的趣味，称颂有独创性的形式，在主题上也否定老一套的东西，认为重要的应是描绘现代的都市生活，诸如钢铁，速度，剧烈的运动等等。

未来派之后，意大利有出现了形而上画派。在形而上绘画中，钟表的指针和塔上的小旗都呈凝滞状态，一切都是静止的，笼罩着神秘的沉默，其目的就是要把事物从日常的伦理中分离开。形而上绘画具有超现实主义的成分。 第一次世界大战给欧洲各国留下了极为惨痛的创伤。一批青年艺术家出于对社会的强烈不满，发表了《达达派宣言》。达达派由于对人类原有的一切感到厌恶，所以要否定一切，破坏一切。在艺术上，企图摆脱一切古代传统文化艺术，否定一切传统艺术的造型观念和造型规律，一怪诞荒谬的形象表现令人难以理解的事物。 1924年，有法国医生兼诗人，原达达派骨干分子布雷东出面组织成立了超现实主义派。他们依靠所谓自动记述法，利用图画象征，造型隐喻，改变环境等手法，表现荒谬，混乱的感觉和形象，构造了许多变形，幻想，魔术般的奇异世界。 1901年前后，经过多年侨居德国的俄国画家康定斯基，荷兰画家蒙德里安等人的数年摸索，抽象主义终于形成。艺术家摆脱造型艺术再现视觉感受的传统，把点，线，面视作自主的表现力愿素，使之变成有象征意义的符号，从而把艺术家的情感传达给观众。二战后，美国动作画派的创始人波洛克开始转向抽象表现主义。他不用笔画，而是在画布上乱撒颜料；画面上没有任何具体形象和生活内容，只有斑点状的东西扩散开去，从而超越了有框绘画的狭小范围，是画面具有一种无限空间的感觉。

进入六十年代，抽象表现主义更加趋于形式化，于是有的艺术家反其道而行只，从“极端抽象”转入“非常具体”——转向生活中实物。着就是始于英国尔后风靡美国的波普艺术（也称流行艺术）。 我所要用确立的，是想干什么就敢干什么的权利——高更 高更的这就话可以说是现代派作家最好的注解，现在看来现代派美术在总的倾向上可以说是观念至上，正因为如此，它很难理解，相当数量的作品画面模糊，变形，甚至荒诞离奇，令人不可思议，表现了部分流派的唯心主义艺术趣味和颓废思想。但这也正证实了艺术之所以为艺术的原因所在。假如太容易理解，在一个简单的水平上被理解之后，艺术的魅力也就消失了，只有在涵义未能穷尽的时刻，艺术才最具有生命力。事实是，无论何种有预见性的理论，都无法穷尽现代派美术费解的存在。最有意义的艺术应该是以观念为基础的，理所当然的还应该同时有心理上和情感上的内容。一般而言，时代精神在艺术上的表现主要地反映在内容上，而后才逐渐影响到一些形式。现代派美术中的内容与形式之间的关系更加微妙。

尽管现代派美术多以自我为中心，热衷于自我表现，但是它在探索人类想象力和创造的无限可能性方面所取得的成绩应该值得肯定，单就这种求知的热情和探索的勇气来看也值得肯定，因为任何发展方向上的努力都比踏步不前更为可贵。人类整个的艺术发展史业已证明，关于艺术的所有简单化的决定论都是立不住脚的，现代人虽然并没有享有完全的艺术创造的自由，但在某种程度上仍掌握着选择的自由。 正是这些现代派艺术家通过创作体现他们的叛逆性格，强调自身的价值，表现艺术家的主观心灵，也创造了不少值得我们借鉴的艺术表现方法和新材料。从此美术走入了一个更加个性也更加灿烂的年代。

西方现代派小说中的以丑为美、以恶为善的风格，故意颠覆传统、深刻探索人类命运的主题在他们的作品中也缺乏真正的表现。

他们为自己的艺术主张奋斗，忠于自我，蔑视传统，其实这就是他们对这个世界交出的答卷。在西方现代美术中，美与不美，真实与不真实将不再是重点。重要的是每种事物都有存在的理由。世界为什么必须只有一种美术？于是“现代派”们用自己的作品来加以反抗。创作形式令人眼花缭乱，现代美术形态呈现多元化。这是艺术家对个体精神的追寻与探索。他们通过各种形式颠覆传统，为的是更好地表达自己。个体在这里得到淋漓尽致地发挥。 虽然世界变得越来越小，但保留自我认同的努力仍然与日俱增。觉得有一句话用来描述西方现代美术的这场探索十分合适，“艺术，记录时代状态的最真实的形式，反映着人类对统一性的需求，也反映着对多样性的同样巨大的需求。”

因此 在现实生活中没有合理和不合理之分 只要心中拥有那种思想和信念.拥有对个体精神的追寻与探索的向往,就是合理的/ 还是黑格尔的那句话 存在即合理。

⑤ 对现代艺术的看法

现代艺术
第一，“现代艺术”是西方20世纪以来的占主导地位的艺术形态。从20世纪初开始，随着西方社会进入现代时期，出现了与古典艺术和近代艺术不同面貌的现代艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。如我们比较熟悉的立体派、未来派、超现实主义、抽象主义、波普艺术、照相写实主义，等等。当然，无论何种艺术形式，其所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。其中的积极成果丰富了人们的审美经验，开拓了艺术的视觉表现空间；其中的问题是因为缺乏共同的艺术标准和过分的个性化，在艺术上也就良莠不齐，有的脱离公众，走向极端。

第二，在各国的现代化过程中，都出现与自身社会发展特征相关的、具有自己文化内涵的“现代艺术”，在内容上反映了社会现代化的进程，在艺术形式上体现了现代精神。由于西方发达国家在现代化进程上的先行，西方“现代艺术”对全球的影响是相当大的，但这并不意味着各国的艺术就是西方的翻版。中国的艺术在20世纪的百年发展中，就有自己鲜明的文化上的“现代性”。
http://..com/question/57918022.html

⑥ 陈诗宇:如何欣赏现代美术

许多人都对现代美术作品感到困惑和愤怒：“为什么现代美术作品中有那么多不明所以的随机图形?这难道不是画家随便乱涂的吗?这有什么艺术价值?小孩子也能画成这样啊?难道就是因为艺术家有名气，涂两笔就是艺术作品了?这有什么技术含量啊?”
很明显，提出这样问题的逻辑是：这么两三笔，我也能画出来，那么画家和普通人有什么差距?
而愤怒在于：连我都画得出来的作品，居然卖价这么高?但是如果是我来画，就是废纸一张，这太不公平了!而且这么简单的画面，那些画家一天就能画好多张，这有什么意义啊?这不是明摆着抢钱吗?凭什么让这种破烂东西赚钱!这是公然的骗子!这个社会怎么了?!
这次，我采取一种顺应你心情的方式来为你解答。
既然你认为这样的作品一般人都能画出来，我建议你完全可以试试，是否能够完整临摹一幅抽象派美术作品?临摹得一分一毫不都差?比如下面这幅蒙德里安的作品。你知道这幅画价值连城，所以你完全可以仿作一下，来证明自己有没有制作价值连城的能力。你必须使用和蒙德里安一样的作画工具，也就是仅仅是颜料、画笔和画纸/布。

蒙德里安的作品
对于一个没有受过美术训练的人而言，这显然非常困难。即便允许你使用标尺画直线，你也会因拿不准线条起点的位置而犹豫，更因为控制不住画笔而使颜色总是漫过边界而伤脑筋。更麻烦的是这种红色和紫色，可能不在你的颜料管里，你得想办法去调出这种颜色来。然后你还要花大量时间纠结水和颜料的比例以免让色彩显得太单薄。
你开始发现，完成这样一幅作品肯定不是你原来“想象的那样简单”。
如果线条不是这样规整，你就更抓狂了。你陷入这些你眼中“混乱线条”的定位里，并对准确调出丰富的色彩束手无措。估计你花上一周时间也完成不了下面这张康定斯基的作品，并做到完全一致。
好在蒙德里安和康定斯基也不是你想象中的“一天就能画好多张”。他们大概用了和你差不多的时间，甚至比你所花更长的时间，去完成这样一幅作品。

康定斯基的作品
于是你说：嗯，这么说来，这些画作在技术上还是有些劲道的。好吧，我承认画家比我会画直线和曲线。但是这种构图算什么呢?就这么几根线条，几块颜色，既不像猪又不像鸭，这画的到底是什么呢?要是不拘泥于临摹，我也能随便涂几笔，取名无题，挂在墙上展出了。
如果你真的这样想，那么恭喜你，你刚开始学习如何去欣赏艺术作品。
在这里，我要强调的也就是这句话：欣赏艺术作品时，永远都要思考艺术家为什么要这样表达。
我还要澄清你的一个误解。你以为这些艺术家跟你一样不会画画吗?并不是这样的，你可能认为一幅人体素描“很显功力”，你也看到了有许多人在街边贩卖人像速写，二十块一幅。你要知道，你在美术馆里看到的任何作品的创作者们的素描功底都不逊于街边速写。当然，如果找他们给你画人像速写，肯定不止二十块一幅了。不仅如此，大多数中国美术生在写实画作方面也相当扎实。对于一个经过四年美术专业训练的人而言，画出一张让你惊叹“好像照片啊”的画来简直是小菜一碟。
你要相信艺术家们永远比你要会画画。你所能想到的绘画，大多已经被他们实践过了。
于是你得思考，既然这些艺术家们能够去描绘人物、风景、建筑等等你所熟悉的对象，为什么他们不这么做?他们为什么要采用这样不同寻常的方式?
艺术不是模仿。这句话在艺术界几乎是常识，但是你不一定能很快意识到。你喜欢按一般人的认识以及你原来的口味去品评画作。有时候你会有点个人的审美感，比如你对蓝色很敏感，那么那些以蓝色表达为主的作品就会让你有所思。那么我们为什么不把这种思路扩宽，以便我们欣赏更多的画作呢?我再来告诉你四个常识。
第一，颜色在绘画里是平等的。
为什么要偏爱鲜艳的色彩而忽视深色呢?为什么认为朦胧的淡色无法塑造鲜明的形象呢?为什么认为白色的空间是毫无意义的呢?有的画家喜欢在深色区徘徊，在你眼里是不是就是一团泥巴呢?而且，这样的画家很有可能喜爱用褐色画云朵，用深到发紫的红色画街道，用介于泥巴和煤炭之间的颜色来画人的面部。你能否看出这些颜色的区别呢?你是否会因为整幅的深色而忽略上面的几抹亮色呢?或者会因为整个画面的清丽而抱怨那几笔难看的深色?
请不要歧视任何一种颜色，更别说是颜色区了。当然许多艺术家会有对颜色的偏爱，但那不是你的权力。既然是你在试图学习和观赏艺术家的作品，就请仔细地看深色区和浅色区的区别，请看艺术家偏爱什么颜色，请看主体色彩之外的环境色，请仔细地观察。(别只顾着看到那些常色，广告商才会喜欢用鲜艳色彩吸引小孩子呢!)
一个合格而深刻的艺术家，会为他画面上的一切色彩负责。并且，抽象派艺术会对此更为负责，因为他们不必顺从现实的色彩，只顾着在构建自己的话语世界。如果你真的想问他们：“为什么这里有一团莫名其妙的黄色?”相信我，如果是一位友善而富于激情的艺术家，他说不定会就此唾沫横飞地回答半个小时。
第二，线条在绘画里也是平等的。
你以为这一条与上一条类似吗?不，并不是。这一条比上一条要困难多了。因为许多人都能说出色彩的不同，却无法理解和解释线条的不同。我想说，既然你知道文档中的加粗是表示强调的意思，你就应该了解绘画中的线条处理也有各种不同的意义。
再次强调，艺术不是模仿，我们不生产一模一样的字体。花样字体本身也是借鉴了一些艺术思维。我们要让整个画面表现艺术家眼里的美感，或者是情绪、思想、事件等等，我们当然要采取不同的线条。这里有几个问题，你可以在欣赏线条造型明显的作品时好好思索一下：
为什么画面的这个位置有这根线条?
为什么这根线条这么粗/细?
为什么这里是弯/直的?
为什么这跟线条这么平滑/粗糙?
为什么这根线条是这个颜色的?
为什么这一块是用线，而那一块是用面?
欣赏画作有时候就是几个简单的角度而已，并非许多人想的那样神秘莫测。有些人看到别人评论画作时，一会“XX主义”，一会“XX风格”，一会“意境”，一会“符号”，就觉得内涵深刻高不可攀，常人不能理解。我建议，在你开始学习欣赏美术作品时，不妨先从上面这些简单的问题和回答中累积经验，过了一段时间，你就能够摸到那些“XX主义”的门道了。切忌一开始就从“XX主义”或“XX风格”入手，这样你会错过太多具体作品的精彩之处了。
一个合格而深刻的艺术家，会为他画面上的一切线条负责。线条之所以为线条，都是有来源的。我们来举个例子，中国人非常熟悉的梵高，他的绘画非常注意线条的使用，他并不是一个热爱立体面的画家。下面是他的一副自画像。你可以观察到整幅画几乎都是由短促有力的线和点组成，围绕着人物形成一个圈。梵高一生创作过许多自画像，业内认为这些短促的线条是他精神状态的一种表现，越是临近他自杀时的作品，这种线条特征就越明显。如果你有幸看过梵高的原作，那么你就会欣赏到这些短促用力留下的油画颜料的形状，像是化石一样保存了梵高当时的情绪。(是的，你可以想象一下你用笔使劲往画布上戳的心情)

梵高的自画像之一
线条十分重要，线与线交错形成二维面，它是绘画之所以成为二维艺术的基石。同样线条也是所有三维艺术的基石，只不过在整体的框架下，面更能影响到三维艺术的大局。如果你看不懂线，你就几乎与“造型”一词无缘，于是你便完全搞不懂“这画的到底是什么”。
扯一点专业思维，“画的到底是什么”就是造型，造型造的是什么，纯粹就是看线条的组合。因此倘若你对具体的线有所观察，你就应该不至于对这个问题毫无想法。一根线，可能是一根铅笔、一根树枝、一条路、一根电线、地平线、墙的转折线、某行文字的下划线……线不会来的那样离谱，如果你的思维更开阔一点，你也能体会到艺术家用线表达的愤怒、沮丧、困惑、恐惧……下面这张最近引起公众注意的卢西奥·丰塔纳的《ConcettoSpaziale, Attese》。画面非常简洁，就是在红色的画布上有几道刀割破的痕迹。你可以明显注意到，整幅画只有两个元素：红色的背景，笔直的黑色的割破线条。这两个元素代表什么呢?红色，可能是激情，也可能是愤怒;割破，可能是一种突破，也可能是一种暴力。割破的角度并不整齐，但也不凌乱，可能具备理性的控制。不管如何解读，你都能抓到“红色”和“割破”这两个明显的关键词。你没办法绕开这两个元素，这是作品对我们想象的限制，也是给我们提供的空间。

卢西奥·丰塔纳的极简主义作品
网上现有业内对这幅作品的解读是：
作品的副标题是意大利文attesa和attese，分别是意大利语中的等待和期望的动词和名词形式，据说意义是观者原本“期望”看到一个正常画面的想象空间，但丰塔纳一刀毁掉了这个“期望”。艺术家封塔纳(1899-1968)最为人知的艺术贡献在于其一系列“割破的”画布。他因此成为极少主义的始祖。1949-1950年间，封塔纳开始刺穿其画布，他说，“打破了画布的空间，好像在说：自此我们可以自由地做我们喜欢的了。”封塔纳同时也将其视为一种唤出的无限，声称“我创造了无限的一维。”
第三，艺术家们在创作时几乎不考虑观赏者的意见。
刚好近来在知乎上看到一个提问：”为什么现代诗多半是些表达得不知所谓的语句组合，却还是那么多人去写?“这个问题当然是大胆坦诚地表现了提问者的无知无畏，在许多诗歌爱好者看来应该是很欠揍的。这个问题下面有许多精彩的回答，都可以借鉴到本文开头那个问题上。链接在这 http://www.hu.com/question/20785495/
不过我觉得最需要强调的是这句话：“对于诗人来说，读者是(最)不重要的。”
同样，对于现代艺术家们，观赏者也是最不重要的。你丝毫不用顾虑你的想法会影响到他们的创作。艺术家是一群埋头描绘自己内心的人，他们创造个人艺术语言，表达自己的情绪思想。当你开始指责他们胡涂乱抹时，很遗憾你又错过了一次学习新的艺术语言的机会。
说真的，每次我看到那些对现代艺术表示抗拒的人，我都觉得他们个人的表达也真的很程式化。换句话说，没有丝毫新意，还在不断抵制新意，表面上是在维护传统的话语权，实际上是在展现他们的脑子有多么匮乏。特别是一些作品，在许多人看来早已能够接受，在另一些人看来仍然如洪水猛兽。比如上面所引用的蒙德里安的色彩构成，已经成为服饰家居建筑时尚的流行元素之一，不少人都对其中的平衡美感有所感知，但仍然有些人认为这样的作品“毫无技术含量”，我便不能不怀疑这些人的审美智商低于平均水平了。
第四，对艺术作品的解读没有标准答案。
这句话放在这里，是要警示那些总是对标准答案有强迫症的人。他们有两种表现，一是特别怯于表达观点，总觉得自己对作品的看法不够“正确”，非常担心自己的看法不符合那幅画下面的小标牌上的文字;另一种则是特别能指点江山，总觉得一类作品是艺术标杆，无上崇高，而其余的都很荒谬，荒谬到应该从这个世界上被抹消。
唉，完全不知道这些人在固执什么。说了嘛，艺术家是完全不会考虑你的想法的，你的想法是完全不会影响艺术家以及艺术产业的。没人给你的艺术水平打分，你干嘛那么在意其他说法啊?你看到什么，就是什么。但是也别想着要维护什么，根据什么，坚持什么。如果你有条可理，可以顺着一种思路理解。解读与解读之间没有正误之分，只有高低之别，但是前提是你得真正地表达出你的解读。
对于平常人而言，美术馆是一个学习和提高自己审美水平的地方，是一个做思维训练的地方。美术馆是一个社会教育的场馆，一个没有美术基础的人进来，应该是跟进入图书馆一样的心态，绝不应该在没有仔细阅读完一本书之前对此擅作评价，不是么?
你最大的固执，应该发挥在对一件具体艺术作品的解读上。你应该像钻研一道数学题一样去解读一件你中意的艺术作品。你应该坚持采纳多方意见，摆脱你对一件作品的困惑，而不是坚持认为“我看不懂这件作品”是一件很高尚的事情。这种自以为是的行为的愚蠢程度就跟讳疾忌医一样。
目前看来，大多数人看不懂作品的缘故，只有两种：一是艺术品有高度，解读者思维不够高度;二是艺术品没什么高度，解读者有标准答案强迫症。介于目前国内当代艺术都没什么高度，所以第二种情占了大多数情形。
现代艺术本来就有“艺术生活化”和“生活艺术化”的口号，艺术家们最喜欢的就是把生活和艺术放在一起。欣赏者们也完全可以跟随这样的号召，去亲近那些被艺术家们从神坛上拉下来的艺术。艺术作品是个人的，从个人到个人，由个人创造，也由个人解读。所以只要解除你的标准答案强迫症，相信你很快就能开始欣赏现代艺术作品。

⑦ 如何解读当代艺术传统与当代应当以各种面貌展现

艺术这个词所包含的范围很广，对于艺术的定义有千千万万种，艺术界的学者对于艺术有自成一派的说法，普通群众对于艺术二字的理解同样也有着不同的理解，但无论哪种解读都有其存在的合理性和必然性，因此我们不能一味的用自我的艺术欣赏能力来评价艺术。艺术的历史渊源悠久，人们对于古时候的艺术与现在生活中的艺术做出了明确的划分。但无论是传统还是现代艺术，它们所被展示的方式依旧是通过教育，贸易等。

艺术可以是无拘无束的，但它所发展的方向应该是光明的纯洁的，同时也要符合社会价值观的，我们在受艺术影响的时候，也应当通过创新等途径对那些将要失传的艺术进行传承。