西方艺术特点是什么

㈠ 西方古典艺术特点是什么

西方古典文化艺术首先由希腊人开创，罗马人依据其民族特点并结合自己的创造，在有选择地光采博收与融合古希腊文化的基础上，不断灌注以新的内容，从而使之发扬光大，最终形成为一种别具一格的文化传统或文化体系。

当然，古希腊文化和古罗马文化也各有其不同的特征。早在奥古斯都时代，罗马着名诗人维吉尔就已经道出了两者各自的旨趣。他认为，希腊人的天才在于文化艺术领域的创造，而罗马人则在于以威力统辖天下万民，在世界“推行和平”。

也正如“希腊可称为光荣，人类精神自由创造，自由思索，自由信仰之光荣；罗马可称为伟大，权利、纪律和一致之伟大。”

这是由各自的民族性格、历史传统、社会和自然环境等因素造成的。但是，古希腊、罗马文化作为一种一脉相承的同质的文化，在历史的长河中凝聚成了一种有其独特内涵和体系的文化传统。

(1)西方艺术特点是什么扩展阅读：

西方古典艺术的纯艺术做到头了，于是出现了反艺术，再后来，无论是纯艺术还是反艺术，大部分问题都提出来了，最多只能从展开方面做些工作。因此，完全从纯艺术和反艺术当中去寻找创造出路，有极大的困难，这才出现了社会学转向。

古典主义时期，艺术主要是为宗教服务，具有社会学属性;在纯艺术、反艺术出现后，艺术逃离了社会学;现在艺术又要回到社会学。

当然，归来的方法跟中世纪已经完全不同，唯有这样，艺术家的作品才更有感染力、更有价值。社会学其实是为艺术加了一个筹码。

像克里斯托夫妇所做的“包裹”艺术，一开始他们在家里用塑料布包裹桌子、椅子，后来又把巴黎的一座桥包起来，这都是用非艺术的方式来进入艺术，有反艺术的观念在里面，但力度还不够，直到他们将原柏林帝国国会大厦也包裹起来了，力度才真正显现出来。

而从社会学的角度看，现在也有很多人类危机需要艺术家去关注。因此，不能说社会学伤害了艺术。

㈡ 东方艺术和西方艺术的区别与特点

以绘画为例，试论欧洲艺术与东方艺术的主要区别

东方艺术和以欧洲绘画为代表的西方艺术相比较的话，可以明显地看到文化的差异和区别。
一、欧洲绘画
欧洲曾以光辉灿烂的古代绘画闻名于世，而从19世纪以来，又以色彩缤纷的现代派绘画惊骇环球。特别是西欧，从马奈、莫奈、修拉、塞尚、高更、梵高等为代表的印象派出现后，流派日益纷繁，尤其令人瞩目。法国以马蒂斯为代表的野兽派，是大家公认的20世纪现代主义绘画的最早流派，跟它同时出现的有德国以凯尔希纳为代表的表现主义。稍晚一点，毕加索为代表的主体主义、意大利卡拉·博乔尼等为代表的未来主义，康定斯基为代表的抽象主义，在瑞士首先出现的达达主义以及阿尔普、克利等人为代表的超现实主义等，流派一个接一个地出现，艺术运动的高潮一波接着一波，形成了万态纷呈的局面。这些流派虽出现于1945年前，但在第二次世界大战后，却仍然绵绵不绝。首先，这些流派的创始者或骨干画家，在当代仍然活跃，并有佳作问世。如马蒂斯、毕加索等人，在50年代，还保持着旺盛的创作热情。
十九世纪欧洲绘画艺术的派别和特点
（1）浪漫派
19世纪浪漫主义的诞生是对当时新古典主义、学院派美术的一次革命。
浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放为思想基础。追求幻想的美、注重感情的传达，喜欢热情奔放的性情抒发。浪漫主义艺术以动态对抗静止，以强烈的主观性对抗过分的客观性。浪漫主义在题材上，多描写独特的性格，异国的情调，生活的悲剧，异常的事件，还往往从一些文学作品中寻找创作的题材。代表作有《美杜莎之笩》。
（2）现实派
现实派追求所谓超越现实的艺术效果，在室内布置中常采用异常的空间组织，曲面或具有流动弧形线型的界面，浓重的色彩，变幻莫测的光影，造型奇特的家具与设备，有时还以现代绘画或雕塑来烘托超现实的室内环境气氛。
（3）印象派
印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。代表作有凡高的《向日葵》。
（4）后印象派
后印象派，从印象派发展而来的一种西方油画流派。在十九世纪末，许多曾受到印象主义鼓舞的艺术家开始反对印象派，他们不满足于刻板片面的追求光色，强调作品要抒发艺术家的自我感受和主观感情，开始尝试对色彩及形体表现性因素的自觉运用。
在艺术表现上，后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，用作者的主观感情去改造客观物象，要表现出“主观化了的客观”。他们在尊重印象派光色成就的同时，不是片面追求外光，而是侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响，直接导致了结构主义的诞生。
发展到19世纪印象派之后，在强调主观精神、表现自我及形式探索等方面，大幅度突破传统写实的束缚。到了20世纪，各种流派纷呈，从强调形式到否定形式，从具象到抽象，出现了各持己见的诸种极端见解。
二、东方艺术的主要特点
山水画一直作为纯粹而且重要的精神象征存在于中国文人艺术家的生活中。古人认为，自然山水在空间形态上丰富多彩、千变万化，在时间状态上也是无比生动千姿百态的。从山石、树木、水泽、云草中寻找人生存在的道理，寄托心灵、情感，正是中国古代艺术家创作山水画本源的真实意图。对于山水画创作来说，中国山水画的空间特征，更接近于一种时空的转换，画家不仅考虑的是看见了什么，更关心人自身内心的变化过程，想到什么。用生命的状态表达对象。由于没有象西方绘画中光影、质感、透视的约束，中国山水画更多地依靠虚实、遮挡以及不规范的大小比例关系来暗示行云、流水、山石、树木的空间，而使得对自然的表现更加肆意、主观、淋漓尽致。所谓“ 低仰自得,心游太空,心融融于玄境,意飘飘于白云,忘情勿我之表,纵志于有无之间。”一幅画可以从山前到山后，从山顶到山脚，一幅长卷可容下一年四季、阴晴、雨雪。它不是特定的山，特定的水。它有明暗、有表情、有灵性、更有生命，可以使欣赏者与之一起喜怒哀乐。这种神奇这种中国哲学文化所独特的眼光和心灵，你是无法在西方风景绘画中看到的。
三、东西方绘画艺术的差别
为了栩栩如生的描绘再现自然，西方绘画努力发明着种种技巧和手法来实现这一目的，尤其在以人物为题材的绘画中表现突出。对人类自身的认识及兴趣自古希腊起由来已久。古希腊人钟情于人体的表现，他们对于人体结构的精通、体积空间的塑造，完全在于解剖学、光学、色彩学等各门科学意识的渗透。在健康美丽的人体艺术表现中，饱含着人类的生命力，寄托着对美好生活的强烈愿望，是人性的一种自然流露。而这种题材在古代中国画中绝对少有。此中反映着中西文化深层次的差异。人体与着衣人物画从文艺复兴之时起迅猛发展，除因人文主义精神对人自身价值肯定之外，还有一个因素很重要，就是模特。若无模特，西方人物绘画单凭记忆想象，也不会有如此高的成就。模特儿为画家提供了实实在在的创作灵感和依据。但光有模特还不够。画家必须深入学习人体解剖，甚至自己动手去研究，随着西方科学的进步发展，人体透视学与人体运动解剖学进一步帮助画家创作更具生动性和挑战性的人物绘画。对比中国古代人物绘画在既无人文科学环境的支持，又无内在观念思想的帮助下，大致我们就可以理解中国传统人物绘画中造型不准、解剖不对、不画人体的原因了。中国人物画的主要目标和追求是“美”与“恶”的分辨，“气韵生动”是绘画所要达到的最终标准，并且形成传统，彰示后世，中国人物画的这种追求使得它和西画表现真实准确的美在造型要求上突显区别。这里绝无对中西绘画褒贬评论之意。而只有认识到中西绘画的各自特点及其产生的原因背景之后，我们会发现，西方绘画的物质性、再现性，相对中国传统绘画的精神性、表现性之间的巨大差异了。
现在看来，中西绘画比较欣赏有着重要的教育意义，其价值在于，一方面，使受教育者得到美术文化意识的培养。美术的发展历程体现着一定社会历史阶段物质文明和精神文明的发展进程。美术作为一种文化其外在形式具有物质性，而创造方式和水平又体现着审美的精神性，美术文化所包含的这些东西需要挖掘和揭示。系统的绘画艺术欣赏教育，一定会涉及美术现象所反映的特定历史时代的物质文明和精神文明程度，而且会启发学生深入领悟美术现象的内在文化底蕴，引导了解绘画与人素质和发展的关系。认识绘画作品所展现的境界、技能、观念永远是人素质的体现。其二，人文精神的陶冶。虽然绘画欣赏不同于德育课，但以德育和文化成长为中心的人文精神的教育，也是绘画艺术教育的使命之一。古往今来，在时空长河中，得以积淀的美术作品，必然是人类优秀文化遗产的代表，通过对这些作品的欣赏、挖掘和弘扬，达到扬善、育德、益智的目的。同时，引导学生形成正确的欣赏态度，掌握正确的方法成为一个心理结构健全的具有审美判断能力的欣赏者。其三，绘画欣赏的再创造性。欣赏，表面现象上看是一个直观掌握的过程，实际上一件美术作品之所以流传，除了作品本身所具备的品质以外，还有一个重要的原因就是欣赏者的主观态度。它需要想象力、体验力和感悟力，通过对作品语言的应悟，把作品所包含的内容复显出来。而这个过程必然渗透着欣赏者个体的人格特征、心理内涵和精神理解，这种特殊的心理活动，独特的心理感受和情感意志，甚至欣赏者所处的时代特性，都会使得美术作品本身有新的开拓补充，甚至是重构，从而使艺术形象成为活的有生命的形象。
中西美术最大最本质的区别究竟是什么呢？不要急于给出答案，实际这是一个非常复杂的问题也非三言两语可以说清，但它的确是认识和理解中西绘画不同的关键核心。对于有着几千年历史、画种繁多、作品纷呈的中西绘画，通过对照、剖析、探寻，发掘，相信我们至少可以坦然面对不同文化的冲突，它们的变迁和融合，而学会用更加浅显、生动、平易、自由的心态，开启爱美、审美的大门。

㈢ 西方经典艺术的特点是什么

中西方艺术差异的比较

要谈中西方艺术的差异，首先必须分析中西艺术的各自特点。我个人认为，艺术作为一种人性的表现方式，它的主体是人，是人作用于客观事物而产生的行为。因此，要谈艺术的差异，必须首先从的人的差异入手，而这里就牵涉到中西方的文化差异。文化差异造成人的认识上的差异，而艺术创作的主体是人，因此，人的意识差异便导致了艺术的差异。
先从古希腊谈起，这是西方艺术创作中的一个代表时期。中国在当时，正是儒家思想产生并盛行的时期。这也是比较中西文化一个比较有代表性的时间起点。谈到艺术，必然要谈到文化。中国人历来都是以含蓄为美，这是中国人的美德，也是一种文明，是属于人性的东西。而西方人则恰恰相反，他们在一些行为举止上面往往都表现得十分直接，西方人打招呼喜欢拥抱、接吻就是很好的证明，他们不像中国人异性之间握个手都觉得有点像在耍流氓。这是中西方文化上的差异，人作为这种文化产生的主体，表现出了这样的外在行为特征的差异。而艺术作为人作用于客观事物的表现手法，它是直接反映人的主观意识的。通过人的感观认识客观事物，获得最初概念，再经过人的主观意识对客观事物进行再认识，最后结合了各自独特的表达方式，对客观事物进行二度创造。这就是艺术形成的过程，这个过程是客观事物与人的主观意识的结合，达到完美，产生艺术。艺术可以说是一种概念，是人们对艺术家创作的认同。艺术之所以成为艺术，也恰恰是它符合了人性的特点，不在单纯地表现客观事物本身，它是结合了人对客观事物的看法，从人性的角度表达客观事物。而这种表达，往往是和艺术家的个人思维方式相关联，所以，才造成了艺术差异性的存在。这里要谈中西方艺术的差异性更需要从文化的角度去看，去思考人性特点的差异。
前面谈到的中国人含蓄，西方人直接，这是中西方艺术在表现形式上最大的差异。让我们再把时间追溯到古希腊时期，当时西方的大部分建筑、雕塑、油画等等的艺术作品中，我们可以很相似地找到艺术家们所喜欢的一个认识客观——人体。在西方建筑雕塑中，人体作为认识客体，被认为是一种美，而一再地被歌颂着，直到今天艺术家们追求的都是一种更加直接的方式去表达人体的美，因此在西方的艺术表现中，他们的艺术风格是更为直接的。人体艺术是近代才传入中国的，至今还是很难被国人接受。当然，这里举人体艺术只是一个例子来证明，中西方艺术特点的差异。中国艺术中讲究一种意境美，它是朦胧的抒情的，往往更多的是在表达艺术家的主观意识本身，客观事物仅仅是表达的载体，比如诗歌，文字和语言都是载体，而艺术家融入了个人的感情，表现出来了。中国艺术的含蓄特点，我们可以从中国的国画作品中找到证据，有人说国画其实是在写诗，这点我很赞同，它和中国古诗一样讲究一种意境美，它们更侧重于表达作者的意识。国画不像西方油画那么直接生动地去描写，它的风格较为含蓄，往往是加入个人感情因素，化静为动，变动为静，在花虫草木中寻求情感寄托，重在借助客观事物含蓄委婉地表达个人感情。比如古诗词中的一段“感时花溅泪，恨别鸟惊心。”花不会溅泪，鸟也不会惊心，不过是诗人把自己的感情转移到了所认识的客观物体上面，是一种含蓄的表现手法，关乎的是一种意境。而西方艺术则更偏中直接去赞美客观事物，他们更关心美的存在形式，偏重表现认识客体，而不在于表现认识的主体——人的情感因素。当然，当情感作为了认识的客体，他们就会充分地去关注并且表达它，就此，我想举贝多芬这位伟大的艺术家，他的艺术作品《命运》就是一个很好的例子，它所表现的客体是贝多芬个人的感情，所以表现得十分到位，令人惊叹！就单纯的排除人的感情作为认识客体来谈，西方艺术家是更在乎如何更加生动地表现客体本身的，不同的也只是在表现手法上的不同，内容是一致的。这是与中国艺术一个很大的区别，而这样的区别完全来自于中西方的文化差异。

㈣ 19世纪的西方，文化艺术有什么特色

19世纪的西方，文化艺术多种多样，其中绘画艺术的多样性是一大特点。分别有：浪漫派、现实派、印象派等。

十九世纪的西方，比较流行新式的建筑艺术和特有的西方绘画艺术。其中建筑艺术不再是之前单调的装修风格，而是一种返璞归真的新型装饰风格。西方的绘画艺术不同于我国的水墨画。我国的画作主要是由水墨的调色制作完成，通过层次的不同用单一的色彩绘画出不同的景物。而西方绘画主要是以色彩明亮，色彩多元化为主，通过色彩的搭配，创作出不同的画派风格。

四、后印象派是印象派的一种延伸，它通过作者本身的情感去在作品里抒发，侧重于表现物体的内在结构。后印象派对于西方绘画技术产生了深厚的影响，并间接导致了结构主义的出现。

㈤ 西方传统绘画的主要特点是什么

西方传统绘画有三个特点：古典与反古典、强调描述。

古典的趣味偏重理性，在形式上的特点尤其表现在重视素描而轻视色彩之上，反古典则热衷与情感，它不像古典主义那样追求庄严、静穆、单纯、和谐的古典意蕴，而是强调自由、放纵的精神和富丽、壮观的气势。

西方传统绘画的另一个特点，是强调描述。长期以来画家们一直是把有效地表现故事和传说、描绘具体的情节，以表达某种寓意或象征，当作自己的任务。这种描述性在杨·凡·爱克的《阿尔诺芬尼夫妇像》上也得到了充分反映。

(5)西方艺术特点是什么扩展阅读

西方绘画与现代绘画差异，还反映在对于所谓再现的不同态度上。对于传统绘画来说，再现是其根本所在，也可以说是西方传统绘画的基本目标。

中国画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。它包括水墨画、墨笔画、彩墨画、工笔重彩画、白描画等。现代中国画是在近百年来引入西方美术潮流的文化环境中发展的，出现了诸多派别、主张和新的探索，名家辈出，在画坛上占有重要的位置。

㈥ 西方现代艺术的主要特征有哪些

西方现代艺术是在物质方面的极大充裕与富足而精神方面极度空虚与无助的现代社会土壤中萌生和发展起来的。
在19世纪末和20世纪初，在西方世界，几个主要的资本主义国家，如英、美、法、德、俄等已基本形成。这些资本主义国家的形成是在经过了长期的资本主义的工业革命、政治革命、还有各种社会的变革，以及民族、国家的统一斗争才逐渐形成的。在这场激烈动荡的社会斗争中，社会的各个阶级、队层的人们，都各有不同程度地付出了沉重的代价，其中包括有年年月月的劳动血汗；无数战争、掠夺的血汗；许多青春年华的付出；许多家庭的离散；绝大多数人建立在资本积累上的艰难痛苦的生活等等。这些资本主义国家的形成，并不意味着给社会带来平安、幸福和稳定。由于新兴资产阶级对资本积累的贪婪，建立在殖民统治，瓜分世界范围基础上的两次世界大战正在酝酿和爆发之中，西方现代艺术的萌发正是建立在这样一片社会生活的土壤之中。
西方现代艺术在1910年前后形成一种完全独立于自然之外的抽象主义(Abstractionism)艺术。从这时起，抽象艺术某种意义上就变成西方现代艺术的标志。正如某位西方艺术史家指出：“这是一个科学和机器的时代，而抽象艺术正是这个时代的艺术表达。”人们公认，抽象艺术因为其能够充分体现了工业文明时代的特有精神而成为20世纪西方最典型的艺术样式。需要指出的是，尽管抽象艺术与写实艺术是那样面目迥异，但两者有着一脉相承的内在联系。从本质上看，西方写实艺术与抽象艺术都是理性主义的产物，只不过抽象艺术更加激进，更能体现出近现代西方工业时代的品格。写实艺术描绘的是看得见的外在的真实，而抽象艺术揭示的是看不见的内在的真实。现代科学（特别是物理学和分子生物学）的发展，不仅使物质世界和人类生活发生了翻天覆地的变化，而且将艺术带到了一个广阔的新天地。许多抽象艺术家宣称他们描绘的是人类肉眼看不见的宇宙的宏观和微观世界。这些在工业文明之前人类闻所未闻、见所未见，甚至想都未想的东西，都被现代科学证明是客观的真实存在，是它们带来了现代工业文明。以抽象艺术为代表的西方现代艺术与西方现代工业文明是互为因果、相辅相成的，充分体现了工业文明时代的特有精神。
西方现代艺术的特征有四点：
1.哲学化——这表明西方现代艺术与现实不再发生直接的关系，而表现出艺术自身的独立；
2.理论化——哲学化与理论化不是一个概念，尽管它们之间有联系。注重理论表明现代艺术的出现和现代艺术家的努力不是偶然和盲目的，而是有明确的方向和目标的集体趋向；
3.形式主义——即强调美术形式的独立性，通过形式的极端化和绝对化而提倡美术自身的独立；
4.创新意识——可以说创新是任何艺术的本质，但西方现代主义艺术却把创新本身视为艺术的惟一主题。

㈦ 西方艺术特点

西方追求的主要是形体上的美感，不讲究对仗，在艺术字这个方面多喜欢连笔，幅度较大，例如古希腊的文字，他就是很典型的现在西方字体艺术
西方推崇上帝，所以绘画方面多有神的观念，朦胧美，例如西方一些名画，像是《最后的晚餐》表现耶稣在餐桌上对众神说：你们之中将有一个会背叛我。之后众神所表现出的各种恐慌，发呆，愤怒等的表情。
同时西方多喜欢运用夸张的艺术手法，把艺术家的情感通过作品强烈的表现出来，例如《愤怒的格尔尼卡》，作品描绘了大量残断肢体及头颅，艺术家以此表达自己痛恨纳粹，及纳粹对人民的伤害
西方不太讲究对仗，这也是一大特点，具体说就是作品不非得需要整齐对称，就像军队不需要每个士兵都相同的身高一样，这点恰恰是和东方相反的。
归结就是以上几点，如果想要更深入了解西方艺术，可以到网络或是人民艺术网浏览

㈧ 西方现代派的主要艺术特征是什么

现代派文学的艺术特征是：①象征性。现代派作品为探求人物的内心真实，着重表现难以直接描述的复杂多变的内心活动，借助意象，用暗喻、烘托、渲染等手法，把思想还原为知觉，使抽象的思想外化。②荒诞性。现代派作家通过非理性的极度夸张的形式，将现实与非现实糅合在一起，寓严肃于荒诞。以战后的计算机工业为标志的“第四次工业革命”把社会结构改组成一个庞大精密的机器，人成了由机器控制的动物。科学对世界和人的统治比过去任何时代都要残酷无情，人再也没有主体性可言。科学对人的压抑使人在生理和心理上都产生分裂，而“荒诞本质上是一种分裂”，当代人由于科学的异化而产生对世界和人的荒诞体验。荒诞形象具有一种特殊的概括力。③意识流。现代派作家热衷于挖掘人的潜意识，大量采用“内心独白”“自由联想”的手法，表现人物意识“自然”流动状态，力求开掘人物心理的复杂性，扩大心理描写的范围，意识流技巧的目的是要深入人的精神活动，表现那种纷乱飘忽的思绪和感触，这种思绪和感触还没有经过严密的整理和组织，常常显得松散零乱，缺乏条理，不合逻辑。④意义的不确定性。由于该时期文学关注的社会准则问题长期陷入混乱，他们感到世界的意识只是部分的、暂时的、...现代派文学的艺术特征是：①象征性。现代派作品为探求人物的内心真实，着重表现难以直接描述的复杂多变的内心活动，借助意象，用暗喻、烘托、渲染等手法，把思想还原为知觉，使抽象的思想外化。②荒诞性。现代派作家通过非理性的极度夸张的形式，将现实与非现实糅合在一起，寓严肃于荒诞。以战后的计算机工业为标志的“第四次工业革命”把社会结构改组成一个庞大精密的机器，人成了由机器控制的动物。科学对世界和人的统治比过去任何时代都要残酷无情，人再也没有主体性可言。科学对人的压抑使人在生理和心理上都产生分裂，而“荒诞本质上是一种分裂”，当代人由于科学的异化而产生对世界和人的荒诞体验。荒诞形象具有一种特殊的概括力。③意识流。现代派作家热衷于挖掘人的潜意识，大量采用“内心独白”“自由联想”的手法，表现人物意识“自然”流动状态，力求开掘人物心理的复杂性，扩大心理描写的范围，意识流技巧的目的是要深入人的精神活动，表现那种纷乱飘忽的思绪和感触，这种思绪和感触还没有经过严密的整理和组织，常常显得松散零乱，缺乏条理，不合逻辑。④意义的不确定性。由于该时期文学关注的社会准则问题长期陷入混乱，他们感到世界的意识只是部分的、暂时的、甚至是矛盾的，而且总会有争议，这样的社会已不适宜于明确的定义，因而该时期文学更侧重于探究那种混乱的多重复合意义。在艺术表现上他们常采用事实与虚构交织的拼凑、自相矛盾、不连续性、模糊性等方法来表现这个复杂多变、难于捉摸的世界。

㈨ 西方现代艺术的特点是什么

西方现代艺术从它开始的那天起，艺术的目的就发生了根本性的变化。传统的艺术目的是再现客观自然的世界。而现代艺术是表现艺术家们对客观世界的感受。这种表现，体现在从客观的外部世界转向了艺术的内部和艺术本身。并且到了20世纪60-70年代，整个西方的现代艺术就是一种视觉、知觉和语汇标示系统的演变和进化的过程。它以现代主义为主流，不间断地完成了艺术内部的革命。并逐渐纯化了艺术内部的语言过程。而每一种艺术形式语言的变革又都在暗示着潜在性动机的冲动。通俗地讲，它就是艺术家干预艺术准则所做出的运动。例如：
印象派画家莫奈：他的艺术作品所表现的就是外光语汇和色彩相结合的探索，他的艺术目的就是对光与色的探究和表现。 新印象派画家修拉：他的艺术目的是现代光学的色彩理论进行视觉上的综述。也就是说，在他的艺术作品中诠释了现代光学的色彩与理论。 后印象派画家塞尚：他所表现的是形态在有限的空间中的重新构建，以及对自然物体观察方法的改变。不是画什么，而是怎样画。 后印象满派画家凡高：所表现的完全是艺术家的主观情感，在画面中毫无保留的精神渲泄。 野兽派画家马蒂斯：所再现的是完全对自然色彩在主观意识上的重新定位。 立体主义画家毕加索和勃拉克：他们所表现的是意象形态在不同空间环境中变化的可能性。 抽象主义艺术家康定斯基：他们所表现的完全是纯抽象符号的确立与变奏。 达达主义艺术家杜尚：所表现是“指鹿为马”式的确立现成物体为艺术品。 观念艺术家波依斯： 他的表现更绝，干脆把艺术等同于生活；使艺术本身得到了解脱。 以上种种例证说明了，现代艺术，无论是哪一个流派或哪一位艺术家个体，他们任何一种艺术风格，无论其作品特征有多么顽强，形式有多么独特，其本质在艺术上都是只有两个字，那就是“表现”。由表现带出邮内容，带出了精神。说到底，表现是现代艺术家们自我确立中心的一种方式；表现艺术家们对自我意识价值体现的一种肯定。因此，表现的性质，也就成了现代艺术的总的本质。这种本质体现在每一位现代艺术家都认为他们在创造一个全新的艺术世界。 在西方现代社会发展中，现代文化思潮对未来科学技术无限进步的坚定信念，尤其是对于人类进步论的无限信仰，促使了西方现代艺术不断地被创新、不断地被越。无论是通常意义上的架上绘画，还是立体空间中的构成雕塑。都显示了多层面、多方位地在试验需求和普遍的时代崇尚。而每一位艺术家也毫无顾忌地在探索和尝试着多种不同于传统的艺术语言和造型语汇。所谓“新”之崇拜也就成了现代艺术的主体。而探索实验性的艺术就成了西方20世纪现代艺术的主流。正所谓一切在尝试中进行，一切又都在进行中实验。没有任何审美的法则；没有终极目标；有的只是不断的创新和实验。所以，实验性也就成了西方现代艺术的总的特征。

㈩ 西方古典艺术的主要特征有哪些

古典风格以庄重典雅、优美和谐为重要特征。是人文主义、现实主义、理性主义和追求自然与人之和谐的精神在艺术领域的体现。世纪着名的艺术史家温克勒曼曾作过精彩而恰当的概括，即：“高贵的单纯和静穆的伟大。”
古典艺术在雅典的神庙建筑和雕刻艺术中得到最完美的体现，而帕特农神庙则是其中的典范之作。古罗马人在模仿古希腊文艺方面达到了心领神会的程度。在奥古斯都时代，罗马艺术家在充分吸收希腊艺术成果（尤其是其中的新古典派）的基础上所形成的庄重肃穆的奥古斯都风格，就是在帝制的条件下对希腊古典风格的一种继承。这在奥古斯都广场和和平祭坛上得到了集中体现。而在帝国前期，古罗马艺术一方面延续了奥古斯都风格，另一方面则又糅合了希腊化派的因素，从而形成了所谓的新帝国艺术。这在帝国初期的建筑、艺术中都有体现。其中，最具代表性的便是众所周知的“拉奥孔群像”。自文艺复兴一直到世纪的理性主义时代，它始终被崇奉古典传统的无数学者和艺术家视为体现古典艺术理
想的典范之作。温克勒曼对古典艺术风格的那一高论就是以之为典型依据而做出的。不过，在世纪年代之前，学者们大都将这尊雕像错误地归入希腊艺术行列，但后来的考古事实表明，它恰恰是罗马帝国初期的作品，并体现了新帝国艺术的特点。这也充分说明，罗马人对古典艺术精神的理解达到了炉火纯青的地步，古希腊和罗马有着一脉相传的艺术风格和艺术精神。尤其在建筑艺术方面，古罗马人还将古典传统风格加以发扬光大，从而创造了“作为世界统治者的世界建筑”。古典文艺风格和精神有赖于合理的形式去体现和表达它，因此古典时代的文学和艺术也形成了一套行之有效的并为人们所普遍遵循的富有特色的表现形式，例如建筑中的柱式（多利亚、爱奥尼亚和科林斯）和拱柱的组合，艺术中的人体中心（“维特鲁威人体”）和人体比例，文学中的史诗和悲剧的规格（三一律）及各种诗词格律等等。可以说，这些形式或格式与其内容密不可分，从而使古典文艺风格独步于古代世界文学艺术之林。