如何理解艺术风格

❶ 怎样理解杜诗沉郁顿挫的艺术风格

这是杜甫的诗歌特有的特点，解释如下：
一，简介：
"沉郁顿挫"本是杜甫《进雕赋表》评扬雄、枚乘辞赋的词语，后人以之指杜诗的风格特色。何谓"沉郁顿挫"?清人吴瞻泰说:"沉郁者，意也;顿挫者，法也。"(《杜诗提要》)一般认为，所谓"沉郁"，主要指诗歌内容深广，意境雄浑，感情深沉;所谓"顿挫"，主要指诗歌表情达意抑扬跌宕，音调声情起伏迭变。沉郁与作品的主要意境有关，顿挫则与作品的表现技巧有关。
二、详解：
文学史上一般指杜甫的风格特征。沉郁顿挫的风格的基调是悲慨。杜甫诗歌取得成就的主要原因在于感情的强烈，这种强烈的感情是杜甫最能打动读者的所在。就杜甫的诗歌艺术成就而言，其感情的强烈是第一位的。他的诗，蕴含着一种厚积的感情力量，每欲喷薄而出时，他的仁者之心，儒家涵养所形成的中和处事的心态，便把这种喷薄而出的感情抑制住了，使他变得缓慢，低沉，回环起伏。几欲喷薄而出，但又不得出，缓急回环，跌宕起伏，是为沉郁顿挫。
三，补充解释：
文学史上一般指杜甫的风格特征杜甫是一位系念国家安危和生民疾苦的诗人。动乱的时代，个人的坎坷遭遇，一有感触，则悲慨满怀。他的诗有一种深沉的忧思，无论是写生民疾苦、怀友思乡，还是写自己的穷愁潦倒，感情都是深沉阔大的。他的诗，蕴含着一种厚积的感情力量，每欲喷薄而出时，他的仁者之心、他的儒家涵养所形成的中和处世的心态，便把这喷薄欲出的悲怆抑制住了，使它变得缓慢、深沉，变得低回起伏。个人的悲痛变成了对于百姓苦难的深沉忧思，留下了无穷韵味。沉郁顿挫，是杜诗的主要风格。沉郁，是感情的悲慨壮大深厚；顿挫，是感情表达的波浪起伏、反复低回。
沉郁是指其作品思想内容的博大精深，题材的严肃，感情的深沉、深挚。
顿挫是指其表现手法的沉着蕴藉，出语谋篇的曲折、变化的多端、转换穿插的波澜壮阔以及韵律变化等。
清人吴瞻泰《杜诗提要》云：“沉郁者，意也，顿挫者，法也。”即是此意。“沉郁顿挫”可说概括了杜甫诗歌的基本特征，如《咏怀五百字》：“杜陵有布衣，老大意转拙。许身一何愚，自比稷与契，居然成濩落，白首甘契阔，盖棺事则已，此志常觊豁。穷年忧黎元，叹息肠内热，非无江海志，潇洒送日月，生逢尧舜君，不忍便永诀……”等，可谓是沉郁顿挫的典型。

❷ 怎样理解哥特式风格

首先要了解什么是“哥特”。
哥特，是来自中世纪的蛊咒。
关于“哥特”的解释也有很多种，从字面上来解释，它包含了三种意义：
第一，在建筑上的歌特式建筑如大教堂(cathedral)，其最大的特色就是高大的梁柱和尖拱形的天花板与结构；
第二，在文学上歌特是用以形容那些以黑暗寂寞地点(如荒废城堡)为背景的奇异、神 之冒险故事；
第三，歌特也代表一种字体相当华丽的印刷或书写风格。
还有另一种解释，人类学意义上的哥特，古代欧洲的一个民族；艺术风格，出现于十二世纪晚期，主要体现在建筑与绘画上，起源于法国的巴黎附近； 恐怖的、黑暗的、怪诞的、野蛮的，这也影射了哥特小说的哥特的涵义，例如17、18世纪流行于英伦，描写发生在阴森恐怖的哥特式城堡中的复仇或志怪故事的小说，按美国人的说法，哥特小说已经延伸到了安妮·赖斯的吸血鬼系列小说，如《夜访吸血鬼Interview with a Vampire》，甚至还包括了斯蒂芬·金的恐怖小说。
在人类学意义上，哥特是所谓的蛮族之一；而在艺术风格上，哥特风格则上升激荡，同时又优雅纤细；哥特式作为恐怖、黑暗的代名词则成为小说这种叙事艺术中的一种风格——当然这种风格也只是一种批评术语。从上个世纪70年代末80年代初，同样在英国，一类沉湎于人类黑暗阴郁感情的音乐，也逐渐被人们称为哥特音乐，他们的音乐悲伤、缓慢，他们在今天似乎又掀起了新的复古运动，把哥特风格引入音乐，歌唱着死亡、恐惧、黑暗，偶尔也会蹦出一个宗教主题，或者用死亡金属的暴烈和鬼气森森的圣咏女声这种两极并置，对骑士国王的时代来一个怀旧的回望。
哥特音乐从诞生之日起，其文化背景就决定了它与摇滚其它分支的明显差异。作为根植于浪漫戏剧艺术和十八世纪哥特式文学的音乐风格，它对黑暗压抑、死亡美学、宗教情结和对唯美主义近乎邪恶的追求，使得很多人避而远之。而相应的，也有许多对艺术尤其是后现代艺术敏感的人欣喜若狂地接受它。相比较其他的音乐形式，哥特更容易产生深刻而广泛的影响力。这种影响不局限在音乐方面，可以上升到艺术观念甚至价值体系的层面。哥特音乐往往取材于挖掘和放大的人类感情世界，并在创作的过程中提升了这种自发的感性体验，所以当它再作用于受众时，常会引发进一步的审美情感和思考空间。
哥特音乐追求的是黑暗和死亡美学，这种与经典哲学观念格格不入的理念使得它久久徘徊于主流文化和严肃艺术的大门之外。然而桀骜不逊的哥特对此丝毫不以为意，也许体系庞大、颓废叛逆的地下文化反而更适合它的发展。哥特音乐惯用的表现手法是：男声主唱极尽压抑与爆发之所能，把暗夜里的绝望挣扎表达的淋漓尽致；背景中圣咏式的女声往往带有浓厚的悲天悯人的气质，而器乐则是黑夜中呜咽的风声、月影里的狼嚎和鲜血滴落在泥土里的声音。哥特音乐还有另外一个特质，那就是它所崇尚的死亡美学。他具有具备天生的悲剧性，而弗洛伊德在谈论《李尔王》的时候就曾经提到，悲剧旨在教导我们“放弃生命，放弃爱情，而与死亡的必然性交上朋友。” 尼采由悲剧艺术引伸出来的悲剧世界观则是“肯定生命，连同它必然包含的痛苦和毁灭，与痛苦相嬉戏，从人生的悲剧性中获得审美快感”。尼采的悲剧理论是给悲剧和死亡赋予美的少数几种悲剧理论之一，它把悲剧看成是灿烂辉煌的，一种“形而上的安慰的艺术”。为了阐述“悲剧性”的实质，叔本华和尼采都转向了音乐。由此可见，哥特音乐作为一种 “形而上的绝望”的载体来表现死亡美学，有其必然性。
哥特音乐的死亡美学不仅表现在音乐风格上，也体现在其视觉效果和行为艺术上。惨白的面孔，夸张的五官，麻木的表情，凌乱的长发，复古的着装和冰冷的金属装饰，这些都已是哥特族的经典特征。从哥特乐队的演出可以看到，他们对生命的绝望和对死亡的迷恋已经深入骨髓，沉郁压抑与自我毁灭的情绪展露无遗。即使是激烈的吼叫也绝不同于朋克、金属的怒吼，他们根本就不准备抗争、颠覆什么。那只是歇斯底里的吼叫，是人在窒息前最后的嘶吼。不是运用声带，而是用肢体在吼叫，在挣扎，在呻吟。这种极端的表现手法极具视觉震撼力，连同阴暗神秘的舞台设计一起传达了一种强烈的理念——死亡之美凌空出世，震撼一切！而在这种近乎宗教仪式的气氛渲染下，观众很难不被感染。
表现在现代都市中，便又是主流社团追逐的一种形式化的标新立异。真正的哥特族总会有一双迷人的大眼睛，眼神中总是透露出说不清道不明的沉郁压抑与自我毁灭。哥特音乐不单是一种音乐型态，和所有的艺术形态一样它更是一种生活态度，哥特是一个可以让人逃离现实而进入的幻想世界，一个黑暗而浪漫的世界。

然而谈到“哥特电影”，“哥特电影”其实这是一个不正确的术语。即便是在大英网络全书中我们也根本找不到这个词条。之所以在这里使用它是为了指代那些以哥特文化为背景或表达死亡和痛苦等主题的黑色风格的电影，显然这类电影和哥特文学以及哥特音乐有着密切的联系。它们总是以一种非常人的视角去透视着我们生活的世界，去剖析和表达着那种阴郁、痛苦和空虚的感情世界。大量的有关吸血鬼的电影被看作哥特式风格电影的典范。这完全归公于Ann Rice等的吸血鬼题材的小说在世界范围的流行。

建筑上哥特式风格是对罗马风格的继承直升的线形，体量急速升腾的动势，奇突的空间推移是其基本风格。窗饰喜用彩色玻璃镶嵌，色彩以蓝、深红、紫色为主，达到12色综合应用，斑斓富丽精巧迷幻。哥特式的彩色玻璃窗饰是非常着名的，家装中在吊顶时可局部采用，有着梦幻般的装饰意境。

❸ 理解艺术家的风格

文艺复兴的艺术有一个显着的特点：现实与人文。文艺复兴所有的创作大都围绕着这个主题。这包括了人的感观，人的信仰，人的性欲，以及人的世界观。这时期的作品都要求打破封建神权，打破封建的禁欲主义。打破封建制度对人精神甚至是肉体的封锁。这时期有很大部分的作品以宗教为主，许多评论说是借宗教作为盾牌。我反对这种说法，对西方世界稍有认识的人都知道，宗教信仰在西方是占据着他们很大一部分的生活。文艺复兴时期的宗教艺术，归根究底可以说是一种人的宗教艺术，而不是封建制度下教会的宗教艺术。这一点要首先明确。

而文艺复兴时期艺术技法上的特点，主要体现在以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考察的表现技法，如人体解剖和透视法则等。在风格和技法上更注重色彩的协调和自然，不拘一格。在建筑艺术方面，它以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则。

文艺复兴的分期及其主要代表人物：

意大利文艺复兴的开端（13世纪末－14世纪上半叶）：这一时期是艺术家们对新的艺术精神和元素的探索阶段。这时的艺术还不成熟，尚未形成理想化的规范，却能体现出艺术家们对新的艺术技法的追求。如何更真实地反映画面上的内容？成为当时意大利艺术家所关注的核心。于是他们开始着手研究古代雕刻，研究希腊罗马的绘画风格，形成了崭新的写实风格。对这种新风格起决定性影响的人，是佛罗伦萨画家乔托(Giotto di Bondone1266—1337)；其代表作有：《逃亡埃及》、《犹大之吻》等。乔托被视为西方绘画的开创性大师，他是第一个把写实风格和明暗远近法结合起来的艺术家，迈出了绘画中关键性的一步。此外，他还把优美的叙事同忠实的观察结合起来，使绘画不再是文字的简单图解，具有了独立的意义。但无可否认，乔托作为文艺复兴初始期的探索者，其对构图的空间关系，对色彩的处理，甚至对明暗对比等等技法仍然是比较幼稚的，但作为开创历史的先河，乔托对后世的影响还是受到世人的肯定的。

意大利早期文艺复兴的美术（15世纪）：意大利早期文艺复兴美术的进展构成了非常错综复杂的场景。这是一个许多地域性艺术流派诞生与繁荣的时期折射一个各种思潮积极地互相影响与展开斗争的时期。在这个百花争研的时代，注重空间透视表现和人物坚实造型，以及善用线条则是他们共有的特色。其中最着名的三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、雕塑家多纳太罗和画家马萨乔。这里主要介绍画家马萨乔。马萨乔Masaccio（1401—1428）， 其代表作《出乐园》和《纳税钱》等；马萨乔的艺术成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来。是文艺复兴时代绘画中现实主义的奠基者。马萨乔以科学探索的精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。它的人物较之乔托的更加真实有力，同时他也是文艺复兴画家中第一个掌握透视法的人，第一个能在衣纹之下隐显人体结构的人和第一个广泛运用明暗对比手法的人。马萨乔还把风景放进他的构图，使风景具有壮丽的、概括的、真实的性质，他借助于风景来扩大画面范围，赋予画面以辽阔的空间感。他的贡献，其一在于以科学的态度对画面（人物）进行更真实的描写与刻画，其二在于把风景与人物互相配合，相得益彰。这为文艺复兴高潮的到来奠定了坚实的基础。

意大利文艺复兴盛期的美术（16世纪上半叶）：盛期文艺复兴是意大利文艺复兴的全盛时期，这时由于种种的社会及政治原因，艺术家们已不再满足于个人技巧和手艺，竞争激励他们在自然科学和文化艺术各领城中广泛探索，力争获取更大的成就。他们在前辈艺术家探索的基础上进行了概括和总结，使艺术在16世纪初达到了高度成熟完美的境界。不但题材从宗教内容扩大到现实生活，而且对自然景色也开始加以观注，他们塑造的形象更完美，更具有复杂的个性和心理待点。如果说早期文艺复兴艺术家主要探索透视、解剖等科学法则，那么盛期大师在把握了这些法则后不再受其限制，而是更强调视觉效果，探索作品的戏剧性和新的艺术语言。可以说，盛期的美术是艺术与科学的完美结合。这时期出现了许多经典的大师，如达．芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、布拉曼特、提香等等。他们不但把美术技法发展到前所未有的高度，而且对于美术理论的建设，也建下了不朽的功勋。这里选取画家达·芬奇（Leonardo Da Vinci 1452-1519） 作为主要介绍的对象，其代表作有《蒙娜·丽萨》和《最后的晚餐》等等，达·芬奇的天才不限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质学等方面也有所反映。在美术方面，达·芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。他最独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。，达·芬奇曾说过：“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理，首创明暗转移法(亦称明暗渐进法)，即在形象上由明到暗的过渡是连续的，像烟雾一般，没有截然的分界，《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。而《最后的晚餐》的惊艳之处，更在于大师在画面中对人物表情的掌握，这是历史的创举，过去的美术作品，无论构图或画面的技巧如何，但对人物的表情刻画总显得僵硬呆板，大师作出这种历史性的创举，正是得益与大师对人体解剖学的深厚认识，对人体面部表情肌活动的掌握，以及对人体解剖及人体比例的深厚功底。此外，达·芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解。他认为：绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就象镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。可以说，达·芬奇不仅是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，也是世界美术史最卓越的代表人物之一。

此外还有另一个伟大的艺术家：米开朗基罗 (Michelangelonaroti 1475-1564年)。 过往在诺贝尔文学奖得主罗曼罗兰的《巨人三传》中，对米开朗基罗的人生有过深刻的描写。作为一个文艺复兴鼎盛时期的大师，他除了拥有绝顶的天才，超卓的成就，其与众不同之处，正是他生命中的悲剧色彩（这在罗曼罗兰的《巨人三传》 中自有详述，此处不再多提）。他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。其雕刻方面的代表作有《大卫》、《摩西》等等，绘画的代表作有《创世纪》、《末日的审判》。在他的两幅经典壁画中，人物的繁多、磅礴的气势是一个显着的特征。但既便如此，每个人物所表达的故事仍然错落有致。充分表现了人物本身的性格特点，多而不乱。

❹ 如何理解夏加尔的艺术风格

一、夏加尔油画的艺术特色
从夏加尔的油画作品中可以一窥他的艺术特质，概括地说，他的作品中透露出神秘而梦幻的视觉愉悦感，同时还带有民族文化气息的人性化绘画视角。色彩的靓丽多姿、斑斓与梦幻的效果具有极强的观赏性。那充满着率意与天真的气质以及浓郁热烈的情感的画面吸引着人们无穷的遐想。天才的色彩感觉给夏加尔以无限的想象空间。在他的艺术世界里充满了神圣的、原始的、神话的以及个人童年记忆和无意识中的象征意味。画面洋溢欢悦的、思乡的、忧郁的等多种氛围，展露出神圣的意味。下面从构图、色彩两方面概括分析夏加尔的绘画语言特色。
1、夏加尔油画中的构图
构图是指画家在有限的空间或平面里，对自己所要绘画的形象进行位置、大小、形状等的组合调配、布局构成，以期达到自己想要的画面效果。在夏加尔早期的作品当中，由于受立体主义风格的影响，多用流畅的细线描绘轮廓，从而起到切割画面的作用，有着一种空间几何的韵律，裸女是艺术家非常热衷的绘画形象之一，夏加尔也不例外，他画中的裸女处理，与其他任何事物如花、树、苹果等无异，都要符合美学的形式，他笔下的女人形象代表着纯洁和爱，并不以服饰的性感为主题，对女人没有半点淫乱感。夏加尔后期的绘画作品构图显得非常自由和随意，在一般人看来毫不相干的形象任意搭配在一幅画面中。比如他的作品《我与村庄》中，巨大的羊的头像和巨大的人的头像分别占据画面大部分空间，在他们的对视中你似乎在感受到他们的对话，大绿、大红、天蓝色的色彩搭配，使整个画面充斥某种神秘的乡间情怀。另外在他的画面中常常会呈现许多的人物零零散散的分布在各个角落。乍看去似乎并没有构图的规律可循，可确实他的构图风格，深深地打上了他个人的标签，他的构图风格已然形成。在夏加尔的笔下既可看到立体主义的影响也能见到纳比派色彩的影子。甚至平面装饰性绘画的特点以及抽象化的造型在他的作品中随处可见。
2、夏加尔油画中的色彩
夏加尔对色彩的理解达到了超越时代的地步，同时代以及以后的艺术家在色彩方面的成就与之相比大为逊色。没有哪位画家能够达到夏加尔对微妙色彩的透彻理解，也没有任何画家能够具有像夏加尔那样的对光线的感受。夏加尔无疑是运用色彩与光线的大师，他的绘画，不管是表现什么题材，在那异常绚丽的色彩上总是笼罩着微妙颤动着的四处散射的光，在这方面，夏加尔无疑是受到了印象派、野兽派的影响。夏加尔色彩特质的形成有一个循序渐进的过程。当你驻足于夏加尔的油画前，如同进入童话般神圣而略带诗意的、愉悦与梦幻的殿堂。

❺ 怎样理解《西游记》艺术风格

浪漫主义。
想象大胆，语言生动有韵律，在神话的虚幻故事的背景下反映了对时代的指责，表现出作者的理想。

❻ 什么是艺术风格

艺术风格指文艺创作中表现出来的一种带有综合性的总体特点。风格这一概念被用于文艺批评，中国起于刘勰的《文心雕龙》，西方起于法国布封的《风格论》。

风格具有多种含义，如作品风格、作家风格、时代风格、民族风格等，一般多指文艺家的风格。一个文艺家由于世界观、生活经历、性格气质、文化教养、艺术才能、审美趣味等的不同，在题材选择、主题提炼、情节安排、人物形象塑造、结构布局、语言运用等方面。

常呈现出与众不同的特色，形成不可重复的风格。风格是文艺家精神特性的印记，它不是体现在一些作品中或某些艺术因素方面，而是体现在全部创作的内容与形式统一中。

风格是文艺家成熟的标志。并非每一个作者都具有自己的风格，只有那些刻苦探索、独辟蹊径、勇于创新的文艺家，才有可能形成自己的风格。

(6)如何理解艺术风格扩展阅读：

正因为艺术风格根植于深层的美学精神，所以，消化西方戏剧的美学和吸收中国戏曲的精神是并行不悖的探索。

寻找传统戏曲美学精神进入当代戏剧的路径，自然也是探索话剧中国风格的路径。显而易见，这种探索不仅仅是在剧本创作上，更多的是探索用什么样的舞台呈现方式，用什么样的表演方式，表现当代中国人的形象和故事。

遗憾的是，由于各种各样的原因，现在还大量存在着对于戏曲表达方式以及传统美学的概念化图解。面对厚重的历史传统，创作时一句“以现代人的观点重新阐释”显得太过轻飘，在舞台实践中将戏曲的一些表演方式简单直接移植，也显得过于草率。

实际上，当代话剧要在舞台上实现戏曲的美学精神，需要的是细腻的转化而不是概念的挪用和形式的拼贴。

“细腻”包含细致和精确两层意思，需要长久的实践，需要一点一点地拓宽思路。在近些年的话剧舞台上，我们还是看到了很多严肃有益的实践。比如导演林兆华在《老舍五则》中，让演员们以一种静止的姿态存在于“空”的舞台上。

这种静止不是纯粹的静止，而是如同中国水墨画，静中蕴藏着动，以动来凸显静。

比如导演田沁鑫在其话剧近作《青蛇》中，与两位有着戏曲功底的年轻女演员共同创造了一种舞台表演的新方式，不露痕迹地将戏曲身段运用到表演上来。观众不一定会感觉到戏曲身段，但一定会感受到一种熨帖的美。

❼ 艺术风格名词解释

基本解释： 作家、艺术家在创作中表现出来的艺术特色和创作个性。取决于作家、艺术家所处的时代的社会和文化状况，以及本人的思想倾向、生活经历、艺术素养、个性气质等主观因素。独特艺术风格的形成，是作家、艺术家在艺术上成熟的标志。

词语分开解释： 艺术 : ①通过形象塑造来反映社会生活，表现作者思想感情的一种社会意识形态。因表现手段和方式不同，通常分为：表演艺术(音乐、舞蹈)，造型艺术(绘画、雕塑)，语言艺术(文学)和综合艺术(戏剧、电影)。 ②富有创造性的方式、方法：说话得讲究点艺术。 ③指独特优美而丰富多采：这房间布置得挺艺术的。
风格 : ①气度；作风：～高ㄧ发扬助人为乐的高尚～。 ②一个时代、一个民族、一个流派或一个人的文艺作品所表现的主要的思想特点和艺术特点：艺术～ㄧ民族～。

❽ 如何看待艺术风格的功能和作用

目前的大众美术消费，大多属于“嵌入式”，即一般市民购买纯粹美术品的不多，但在日常生活包括服装、绿地、装潢、包装、建筑、美容、展览、环境、音像、书刊等许多方面，已经在消费大量的美术附加值，这是由市民的欣赏能力和购买能力所决定的，面对这样的态势，更多的美术工作者在追求艺术创新的同时，也要运动延向市场，形成产业，这就不能消极等待，自比“酒香不怕巷子深”，而要适时应变，三箭齐发。

第一，要寻找美术和大众消费的最佳结合点，美术创作的发展规律是不断突破既有模式的局限，以原创性的实验为突破口，寻找新的审美天地，而大众消费的发展有一种“排浪式规律”，它总是随着人们收入的增加和消费品的更新，象波浪一样从一个低级阶段，进人一个比较高级的阶段。这两者的进程并不完全重合，所以，美术要进入大众生活必须主动寻找和大众消费的结合点，充分显示自己引导大众审美情趣，丰富社会人文景观的巨大作用。自1997年以来，我国文字出版物中越来越丰富的“图文并茂”潮流，就是一个重要的信号，过去书籍中的插图仅仅是“点缀”和“说明”，现在则越来越成为书籍内容的主体，如《插图本中国文学史》、《中华文明史》、《少儿网络全书》等的插图以其丰富的想象和创造性的造型，体现了美术家对历史、科学和人生的独特理解，极大地丰富了书籍的内容，受到社会广泛的好评。有出版家预测：10年后，我国出版物中图文并茂者所占的比例，将增加3—4倍。这正是美术家大有作为的领域之一。

第二，要寻找和大众传播媒介的最佳结合点。美术作品也是一种信息产品，如果说印刷术等纸质传播载体的发明，使美术作品可以大量复制，是传播美术作品的第一次革命，那么电视录像等电子传播载体的发明，跨越了时间和空间的限制，成为第二次美术传播的革命，着名画家为电视连续剧《水浒传》所作的人物造型，不仅成为电视剧人物造型的蓝本，而且引发了无数观众对梁山好汉们的观赏热情，为突破1998年高达40％的电视剧收视率作了贡献，成为“画以剧传，剧以画传”的一段佳话；而互动式电视、电脑网络和传播技术的普及，使无数观众不仅成为美术信息的点播者和观赏者，而且成为美术制品的制作者和传播者，比如专业和个人网页的制作，就使大量美术作品以最便捷、最廉价、最普及的形式进人了千家万户，诱发了人们对美术作品的好奇和喜爱。现在海外许多现代美术画廊和博物馆，甚至一些画家个人，都花大力气制作了精美的网页，教你如何去欣赏他们的作品，如何注意作儡的细节和艺术语言，对引导观众欣赏美术作品起了有效的作用。这种对传播手段的高度敏感和孜孜追求，恰恰是上海不少美术家的一个缺门。

第三，要寻找和现代生产方式的最佳结合点。大众消费的特征是大量和快速的复制，大规模的推广和消费。如果不和现代生产方式相结合，美术就无法走向市场，走向产业。国外的美术创作重视“移植”，就是利用现代生产方式的一个重要经验。毕加索名画上的两只鸽子被移植到了流行的女性服装上，又通过时装发布会和电视传播，一时问做到家喻户晓。优秀女画家创作的白玉兰花卉图，被制作成为精美绝伦的玻璃雕刻屏风，陈列在八万人体育场的贵宾厅，成为贵宾和游客们流连忘返的一道风景；江南周庄的名胜古桥，通过优秀画家的作品走向了海外，再通过纪念封、邮票和其它艺术品，在联合国大厦和世界的各个地方进行大量销售，同样是成功的例子，要看到：信息的基本特点就是可压缩、可转换、可贮存、可传输、可移植，每一种美术作品的移植，同时也是一种“背叛性再创造”，它从一种载体转换为另一种载体，从一种形式转换为另一种形式，从而使原创作品更接近大众的欣赏趣味，也更接近现代的生产方式，获得更大的传播空间，值得我们认真研究，推广实践。

纵观美术史上的众多艺术大师的艺术成就,最富魅力的就是他们的艺术风格,通过其艺术风格来体现自己与众不同的艺术个性。每个艺术时期的艺术风格的转变,都起源于艺术家审美趣味的转变。因此,对于艺术风格的研究,不仅是美术史家研究的重要课题,也是我们美术教育工作者必备的艺术理论修养。一、从美学的角度阐述艺术风格的演变史十九世纪下半叶的欧洲,艺术家们也都以进化发展的角度解释艺术风格的演变,并且将哲学中的美学作为艺术批评的理论基础。1.十九世纪及二十世纪初,西方美学中最有影响的是德国古典美学理论,其中最伟大的理论家之一黑格尔…

❾ 你如何理解现代的艺术风格啊

如果说如何理解，现代艺术的风格的话，应该就是感觉现代艺术的话比较好。